Vailima

”Hay algo de inexacto en los recuerdos:
una línea difusa que es de sombra,
de error favorecido.

Y si la vida
en algo está cifrada,
es en esos recuerdos
precisamente desvaídos,
quizás remodelados por el tiempo
con un arte que implica ficción, pues verdadera
no puede ser la vida recordada.

Y sin embargo
a ese engaño debemos lo que al fin
será la vida cierta, y a ese engaño
debemos ya lo mismo que a la vida.”

Felipe Benítez Reyes, Valor del pasado

El próximo día 6, cuando sus Majestades de Oriente hayan dado por finalizado un viaje que seguro les ha resultado de lo más jodido (por no hablar de la vuelta), una servidora habrá abierto el regalo invisible que todos los años sin excepción, depositan sus Majestades bajo mi piel. Sí, amigos, un año más, de esos que no engañan y que esperan pacientes a que los remodele con esa línea difusa de error favorecido. Y un año más soplaré las velas con el aliento apenas rehecho por un deseo que espero me sea concedido en el transcurso de mi nuevo año.
Ya ven qué afortunada soy. Mi regalo es tan liviano que podría abrirlo sin que los señores magos salgan de sus palacios. ¿Un engaño? Por supuesto que no, tan cierto como la vida nuestra: la vivida y la recordada.

Nos encontramos a veces con situaciones por las que hay que tomar partido. En ese momento es cuando retornamos a lo verdaderamente humano.
Séanme buenos, que todavía hay tiempo.

No sé la razón por la que cada inicio de año me da la ventolera de ilusionarme y de afrontar con optimismo el camino que me conducirá, de nuevo, a tener este mismo pensamiento. Sin embargo, como el chiste que vi colgado a la entrada de una empresa cierto día y que rezaba “hoy tengo un buen día; ya vendrá alguien y me lo joderá”, pues ya ha venido un imbécil para joder la marrana. La culpa la tengo yo, que para una vez que me siento frente al televisor para ver un programa del famoseo van y sueltan el notición:

Humberto Janeiro (padre del Jesulín “el torero de las bragas voladoras”) ha vendido un cuadro suyo (es decir, hecho por él) por la friolera de 9.000,00 €

Hay que joderse. No es que una le desee mal a nadie pero en ese momento hubiera hecho mía la maldición de los Quintero: “¡Ojalá le hagan almanaque para que todos los días le arranquen algo!”.
¿En qué mierda de mundo vivimos para que otro majadero (seguro que para blanquear dinero negro) compre al progenitor del Harry Potter de la lencería taurina tal cantidad de dinero?
Cuando el periodista preguntó al “artista” –con el cachondeo de toda la mala leche del mundo mundial- a qué movimiento pertenecía, se quedó tan estupefacto por no entender lo que se le preguntaba que a punto estuvo de responder que él era de derechas de toda la vida.
Qué asco joder, menos mal que seguro los 9.000,00 € los destina a paliar las miserias del maremoto.
¡Ah! Por supuesto que ni me he molestado en ilustrar este post con la obra d´arte en cuestión, no vaya a ser que mi amiga Tita lo vea y se le antoje (como está haciendo una "cole" de grandes pintores andaluces...)
Dios…

GIOVANNI DA MODENA: Fresco del Infierno

El título del post nos conduce a un tema tan amplio que, a mi pesar, he de ponerle límites. Por este motivo, voy a intentar ceñirme al concepto de lo feo como antítesis de lo bello y ejemplificarles el asunto a través de un lienzo que quiero presentarles.
Empecemos por encuadrar el concepto. Según diferentes corrientes estéticas, lo feo como hemos dicho, sería una antítesis de lo bello si en un ser u objeto apreciamos la carencia de armonía que viola las reglas de la proporción en las que se basa la belleza, tanto física como moral, o la carencia que niega a ese ser u objeto lo que por naturaleza debería tener. A este respecto Guillermo de Auvernia (1180-1249) nos dice en su Tractatus de bono et malo

”Llamaríamos deforme al que tuviera tres ojos o un ojo solo: al primero por tener lo que desdice, al segundo por no tener lo que conviene”

Piensen por un momento en nuestra patria belleza grífica (termino acuñado por mí y que significa “en forma de grifo de lavabo”) Rossy de Palma o en nuestra velazquiana infanta Doña Elena de Bombón.
En cualquier caso, como afirma U. Eco, estarán de acuerdo en que “si bien existen cosas o seres feos, el arte tiene el poder de representarlos de manera hermosa, y la belleza (o, al menos, la fidelidad realista) de esta imitación hace aceptable lo feo” (ECO, U.: Historia de la belleza, Lumen, Barcelona, 2004, p.133).
Tenemos pues que si bien en la naturaleza encontramos seres feos, su representación por medio del arte nos puede resultar agradable. Hagan memoria y repasen algunas de las muestras de la iconografía cristiana (incluso tenemos ejemplos de bellas representaciones del diablo); piensen también en aquellos textos de la Edad Media donde aparecen hombres y animales monstruosos con los que se ilustrarán los bestiarios. Eco confecciona una relación asombrosamente bella de seres monstruosos: faunos, acéfalos, andróginos, artabantes de Etiopía, astomates, astomores, bicéfalos, blemmes, centauros, quimeras, cíclopes, cinocéfalos, poncios, esciápodos…
Y bien, llegados a este punto podríamos preguntarnos cuál es la justificación que explicaría el porqué de estas representaciones. Por un lado nos encontramos con la tradición del simbolismo universal en la que nuestros monstruos adquieren, por otro lado, un significado moralizante o alegórico que daría respuesta a ciertas virtudes o vicios y realidades sobrenaturales pertenecientes al reino de Dios. Esto quiere decir que al igual que las sombras hacen que la luz resplandezca mejor, los seres monstruosos (tanto hombres como animales) y feos son necesarios a la belleza en igual proporción. Es el orden del universo el que importa y en este orden tienen cabida los monstruos y la seducción que nos provocan cuando los contemplamos bellamente reproducidos en cualquier tipo de expresión artística desde Dante hasta el Bosco.

Una vez hecha esta pequeña introducción hablaremos de una obra peculiar, ejecutada hacia 1562 por Pieter Bruegel el Viejo donde se hace un homenaje bellísimo a la fealdad absoluta. Su nombre… bueno, más detalles mañana, cuando presente a la dama formalmente. En cualquier caso y como diría el poeta ”no lo toques ya más, que así es la rosa” (se premiará a quien me diga a qué hace referencia ese “lo” de la frase anterior. Venga, anímense, es fácil)…y hasta mañana amigos.

PIETER BRUEGEL: LA CAIDA DE LOS ANGELES REBELDES (Detalle)

”El principio, el medio y el final, el nacimiento, el aumento y la perfección de cuanto vemos resulta de contrarios, por los contrarios, en los contrarios y a los contrarios”
Giordano Bruno:Spaccio de la bestia triunfante

Se llama Rita y lleva sobre sus espaldas el apodo de “la loca”. Conocida como Dulle Griet ha tenido el honor de pasar a la historia del arte no como una ninfa, ni bajo la figura de una Venus, ni como una Virgen ni como mártir. Tampoco nos ha llegado con aspecto de pastorcilla ni de donna angelicata. Su belleza radica en la forma misma en que fue pintada, en el hecho de que constituye una excepción.



Durero, Hans Bandung y El Bosco pintaron damas poco agraciadas y deliberadamente repulsivas como nuestra Rita pero por las dimensiones del lugar donde habita (un lienzo de 115 x 161 cm) es única incluso hasta en el norte de la Europa del siglo XVI.
Todo en ella va en contra de las normas de cualquier teoría de la belleza:
El cabello no es capaz de enmarcar su frente, la piel ajada y estropeada, la boca desdentada y permanentemente abierta; la coraza le cuelga sobre una barriga donde reposan sus senos y su actitud es tan altiva que, con un andar cansino, osa pasar de largo sin fijarse, si quiera, en nosotros.
Pero Rita es un ser humano al igual que el resto de mujeres que hay detrás de ella; no así los hombres –en su mayoría- que han sido representados con aspecto de demonios, diablos mitad animales o como soldados cuyas armaduras los hacen irreconocibles.
¿Será que el paisaje caótico que está atravesando Rita con paso decidido no es otro que el propio infierno?

El pintor no nos ofrece ninguna pista para responder afirmativamente, pero mucho me temo que Bruegel quiere transmitirnos algún mensaje. Un mensaje que debe quedar lo suficientemente oculto para no delatarse a primera vista. Un mensaje que debe quedar lo suficientemente a la vista como para no pasarlo por alto.

¿Acaso se ha olvidado Dios de la desgraciada Dulle Griet?
Hasta mañana amigos.

Observen la imagen que ocupa la parte izquierda del lienzo. Como si de un gran espectador se tratara, el príncipe de los infiernos lo abarca todo con su mirada impasible.
Unas tablas de madera le sirven de párpados, su piel está hecha de piedras y de su oreja incandescente brota un árbol. Lo orgánico y lo inorgánico se mezclan entre sí de igual manera que las formas animales y vegetales. El orden del mundo ha desaparecido y la cabeza-fortaleza espera, con la boca abierta, a que entremos en él como en una trampa del más sofisticado ser vivo –y lugar al mismo tiempo- que espera, complaciente, a engullirnos sin piedad.

Una serie de tinajas componen sus cejas. Las mismas tinajas que cuelgan de los muros de muchos hogares de la época. Servían de incubadoras donde las aves depositaban sus huevos. El lienzo está lleno de tinajas. Fíjense en la que hay de tamaño espectacular en el fondo a la izquierda semejante a la torre de refrigeración de una gran central nuclear o, la que sirve de estandarte al puñado de soldados que se agolpan sobre una olla a la derecha del cuadro.
En una época en la que no existían ni envases de plástico ni botellas de vidrio, las tinajas se constituían en objetos de uso corriente para guardar alimentos. Sin embargo, sus significados en el lenguaje alegórico del momento eran bien distintos.
Por un lado, como manifestación del poder de Dios tal y como se relata en el capítulo 2 del Evangelio de San Juan, donde Jesucristo transforma el agua de seis tinajas en vino para la boda de Caná. Por otro, como recipiente donde se conserva y se atesora. Las tinajas simbolizaban la codicia y eran signo de prosperidad. En los grabados antiguos la personificación de la avaricia solía estar representada con sacos, cestos y tinajas a su alrededor.
Con las tinajas tenemos, pues, una doble advertencia de Bruegel: la omnipotencia de Dios y lo demoníaco del materialismo.
Rita va cargada de enseres domésticos, dinero y joyas. Dios la ha abandonado por culpa de la avaricia. A ella y a todos los seres monstruosos que componen el lienzo. Fíjense en los huevos que aparecen en el cuadro. Al igual que las tinajas, tampoco están pintados al azar. El huevo simbolizaba la resurrección de Jesucristo en la mañana del día de Pascua y era signo de fertilidad y vitalidad. Pero el viejo Bruegel los ha pintado todos con la cáscara rota. Incluso el de gran tamaño del fondo desde donde emerge un diablo, o el de la parte inferior izquierda donde, contra natura, unos polluelos esperan su ración de comida o, aquel otro del centro del lienzo donde con avidez un individuo extrae de su culo oviforme dinero, dinero y más dinero.
El infierno, los seres monstruosos y la avaricia conforman el mundo que Rita atraviesa con paso decidido. A sus espaldas deja un guiño pictórico con el que Bruegel homenajea a otro pintor que ustedes ya conocen.
¿Sabrían decirme a quién y a qué me refiero?

”A menudo nos repetía Otto-Venius: que vuestras composiciones sean conformes a las costumbres y los tiempos… imitad en esto a la Tragedia, hermana de la Pintura; (…) el fin de la Pintura consiste tanto en iluminar el espíritu como en engañar a los ojos; la ilusión que en los ojos nos produce en la manera en la que ven se funda; y ellos mismos han sido los que aprendieron el modo de engañarse”
P. RUBENS, Leçons, 1858

Observen la imagen que Rita deja tras de sí. Me refiero al hombre de trasero oviforme con el que finalizábamos el post anterior. Apenas podemos verle el rostro. Soporta sobre sus espaldas una nave sobre la que se asienta un globo. Bien, amigos, este era el doble guiño que Bruegel dedica al Bosco. por una parte, la figura del hombre representa al San Cristóbal del Bosco donde el santo portaba sobre sus hombros una esfera de vidrio (símbolo del mundo) dentro de la cual está sentado el Niño Jesús. Sin embargo, Bruegel rompe el símbolo y nos presenta no a un santo, sino a un patético codicioso soportando sobre sus lomos el peso de un globo con seres mitad humanos dominados por la gula (uno sostiene una bandeja con un pollo asado) y la codicia.
Albergando el globo y sus habitantes, una barca. ¿Se acuerdan de la famosa “nave de los locos” del Bosco?. Pues aquí tenemos el segundo de los guiños que Bruegel nos regala de su admirado Hieronymus. Pero la barca, al igual que veíamos ayer en el caso de las tinajas, tiene un doble significado.
Si en principio, en su vertiente positiva pudiéramos pensar que la nave representa a la Iglesia como aliada infatigable de los propósitos celestiales luchando contra las arremetidas del tiempo, en verdad (quiero decir, en la “verdad” de Bruegel) no simboliza otra cosa que la nave de los locos. Locos, personas que no saben su destino y que en cualquier momento naufragarán. Fíjense si no en la poca estabilidad que se nos sugiere, primero el globo con respecto a la barca, y segundo, la barca respecto a la espalda del hombre.

Existe otro símbolo que se repite en el lienzo: la esfera de vidrio. En la parte superior izquierda del cuadro aparece una pendiendo, como un farolillo, del gorro de la cabeza infernal. La bola encierra varias figuras humanas. El Bosco también pintó este motivo en varias ocasiones. Pudiera ser que quisieran representar el poder del imperio pero la tesis que más me place es la que afirma que el globo procede del Lejano Oriente puesto que allí hay signos pictóricos aparecidos con anterioridad (siglos XI y XII) a la época del Bosco y de Bruegel.
No es de extrañar esta “importación” ya que hacía siglos que se mantenía un intercambio comercial constante con Oriente a través del Mediterráneo. Pero la influencia de motivos orientales no acaba aquí. Observen más abajo. El gorro con borla, muy similar al gorro frigio y el aro prendido de la aleta de la nariz de la cabeza del infierno.
¿Casualidad?
En absoluto. Todos los pueblos de las regiones situadas fuera de los confines del Occidente cristiano estaban a merced del diablo.

¿Se han dado cuenta de que en este lienzo tan caótico –aparentemente-, nada está supeditado al azar?
Magnífico.

En el nº 71 de la revista Descubrir el arte, Víctor Nieto Alcalde dedica un magnífico artículo a la obra de Paolo Veronés titulada Venus y Adonis.



Paolo Cagliari (1528-1588) llamado Veronés, llega a Venecia en 1551 y pronto se vuelca casi por completo a realizar obras de temática mitológica en las que abundan las representaciones de Venus y Marte y de Venus y Adonis. Hacia 1580 pinta un lienzo (adquirido por Velázquez en su segundo viaje a Italia) cuya representación se ha identificado con Venus y Adonis.
La fecha exacta de su ejecución sólo nos consta por la referencia que Raffaello Borghini hace de él junto con otra pintura de Veronés La muerte de Procris. La cita de Borghini ha servido desde entonces para emparentar uno y otro lienzo e identificar, como “testimonio y fuente de autoridad indiscutible”, que las figuras mitológicas allí representadas eran ésas y no otras.
Sin embargo, así como la identificación de los personajes es del todo correcta en “La muerte de Procris”, no ocurre lo mismo en “Venus y Adonis”.
Lo que propone el autor (teoría que comparto) es que la temática de un Adonis dormido en el regazo de la diosa es compleja y rebuscada y no concuerda con las representaciones habituales de estos personajes de la mitología. Si hilamos fino y atamos algún cabo que otro, lo más probable es que apoyemos la tesis de que en realidad se trate de La Brisa y Céfalo.
Por una parte tenemos que Veronés pintó ambos lienzos en la misma fecha (así lo ratifica en Il Riposo Borghini; que ambos lienzos tienen las mismas dimensiones (1,62 x 1,90 m) (al menos desde 1988, año en el que se extrajo un añadido del siglo XVIII al lienzo de “Venus y Adonis” de nada más y nada menos que 0,50 m) y, por otra, que ambos cuadros podrían haber sido inspirados (con total seguridad) en la historia de Céfalo y Procris que narra Ovidio en el Libro VII, capítulo IX de Las Metamorfosis:
Procris estaba casada con Céfalo. Por circunstancias que no mencionaré para no alargarme más, Procris regaló a su esposo una jabalina que “alcanzaba todo blanco al que se dirigiera” y un perro llamado Lélapo que “en la carrera vencería a todos”.
Ovidio nos cuenta cómo Céfalo acostumbraba a salir cada amanecer a cazar. “Pero cuando mi brazo ya se había saciado con la matanza de bestias salvajes, buscaba la frescura, las sombras y la brisa que llegaba de los frescos valles. Buscaba la brisa, lenitivo para mí en medio de los ardores, esperaba la brisa;(…) Yo solía cantar (pues lo recuerdo): Ven, ¡oh brisa!, favoréceme, entra en mi pecho, queridísima, aleja como tú sabes hacerlo el ardor que me abrasa”.



La fatalidad quiso que Procris, alertada por un “temerario delator” “quien prestó engañado oído” desconfiara de la fidelidad de su amado esposo hasta el punto de ir a buscarlo al bosque. Céfalo arroja entonces su jabalina hacia lo que cree que es una bestia salvaje. Cuando se acerca a ella comprueba que su queridísima Procris está herida de muerte. La esposa, tumbada en el suelo intenta extraer de su pecho el arma que ella misma regaló a su esposo y con estas palabras habla:
“En nombre de los lazos conyugales que nos unen, en nombre de los dioses del cielo y de los de aquí abajo a los que yo pertenezco, suplicante te pido por aquello que pueda haber merecido de tu ternura, por el amor que todavía hay en mí, al morir, por ti que me has causado la muerte, que no consientas en que esta Brisa llegue a ser tu esposa en nuestro tálamo”.

Fue entonces cuando Céfalo le hizo saber el error, el nombre confundido.
Así termina la historia de Procris y Céfalo. Así termina la mía:
por un nombre confundido, por un error de cuatro siglos.

Un abrazo.

PD. Gracias, Palimp.

(DHist.). No existe tal palabra. Afrácaseme en Lucas Fernández debe acentuarse en la segunda a, y es del verbo afracar, variante dialectal de aflacar “enflaquecer”, derivado de flaco.

No sé ustedes, pero yo es la primera vez que me encuentro en un diccionario un vocablo que no existe. Alguno hablaría de los hechizos de la lengua…
El que sí existe es este otro (hoy dos por el precio de uno) que por la magia y la belleza del vocablo en sí y de su significado, les presento a continuación para su deleite:

ALMICANTARAT

”cada uno de los círculos paralelos al horizonte que sirven para determinar la altura de los astros”, de muqantarât, plural de muqántara íd. Y “reloj de sol”, derivado de qántara “puente, arco”. 1ª doc.:1709.
Freytag, III, 505b. El cambio de u en i se deberá a un error de lectura en los manuscritos latinos medievales de astronomía.

Debo una disculpa.
Aunque el título del post les induzca a pensar en cierta cuestión de carácter sexual, no se engañen. La que suscribe lo ha elegido a propósito, naturalmente, y ciertamente mi disculpa (y contenido de este post) guarda una estrecha relación con el título (para consuelo de Tio Petros que siempre me regaña por los títulos “enrevesados” y “rebuscados” con los que corono mis post).

Uno de los motivos por los que durante unos días no he posteado es porque un amigo me ha regalado un tratado sobre el dibujo del cuerpo humano. El libro es un alarde extraordinario de imágenes sorprendentes sobre la maestría con la que pintores que ustedes y yo conocemos y, otros desconocidos e incluso anónimos, han plasmado en papel, con un lápiz o un carboncillo y cómo no, con la yema de un solo dedo a modo de difuminador, las diferentes partes del cuerpo humano. Así que una servidora, que hace sus pinitos en dibujo con más pena que gloria no ha podido evitar la tentación y durante días ha tratado de emular a los grandes para crear ojos, manos y torsos desnudos que con imaginación y mucho amor me confiesa Tio Petros resultan sorprendentes. Claro está que este hombre, aliento de mi vida, sabe hacerse querer y, una que de tonta no tiene un pelo y de mujer mucho, se lo ha creído a pies juntillas y no ha parado de producir. Porque esto del arte va por rachas y hay que sujetar a las musas cuando uno se cree que han venido a visitarle. Así que mi primera disculpa se debe a ese dedo difuminador que ha conseguido apartarme del teclado del ordenador.
Cuando el abandono del blog me ha resultado ya insoportable, la fortuna ha querido que, en lo absurdo de un accidente doméstico, me queme la mano derecha. Mejor dicho, los dedos de la mano derecha que resultan francamente útiles cuando una es diestra y totalmente incapaz con la mano izquierda. No tengo yemas, huevos sí. Por eso, CON UN SOLO DEDO (el corazón, claro está) de mi supuesta “mano” izquierda he conseguido escribir estas líneas y pedirles disculpas aunque esta aventura me esté costando toda la mañana.
Ni dibujar, ni escribir, ni conducir, ni … xual.

Les prometo volver pronto con un post sobre el Renacimiento. Exactamente sobre el legado de Vitruvio (sí, ya saben, el relacionado con ese hombre que siempre aparece patiabierto y ensobacado dentro de un círculo…).
Hasta pronto.

Esto es lo que os pido, amigos, cuando contempléis mis acercamientos a lo que podría llamarse “dibujo al lápiz”. Son bocetos simplemente de un reto que mantengo conmigo misma cada vez que dibujo: no utilizar la goma de borrar.
En fin, a lo dicho, tened benevolencia con esta vuestra amiga que se ha visto en mitad de una emboscada. De amistad, pero emboscada.
Un abrazo a todos.


Torso


Ojo1


Ojo2


Ojo3


Ojo 4

”Tres son las cosas principales en las que consiste el conjunto de lo que andamos buscando. A saber, el número, lo que llamo acabamiento (conformación, forma geométrica), y la colocación (numerus, finitio, collocatio). Mas sobre esto hay además una cosa que nace de todas juntas, unidas entre sí, gracias a lo cual el rostro entero de la belleza resplandece milagrosamente, lo cual entre nosotros se ha de llamar armonía (concinnitas)”.

Como había prometido (antes de este ataque pictórico exhibicionista en el que me he visto involucrada) y tal como reza el título del post, vamos a hablar de alguna cuestión concerniente a un período que siempre me ha resultado interesante.
Hagamos un poco de memoria. El Renacimiento supone el inicio de la Edad Moderna, el principio de una nueva época histórica caracterizada por un acusado cambio en los gustos y convicciones que han predominado casi un milenio. El cambio es más bien un giro. Un giro que se expresa en la secularización de la vida y la cultura, en el abandono de lo trascendente y n un renovado interés por las cuestiones temporales.
Los nuevos gustos tienen, naturalmente, su reflejo en la estética, en una teroría de la belleza alejada de la tradición medieval y cercana al mundo antiguo.
Platón es el filósofo en que más se inspiran los estetas renacentistas aunque sin asumir las tesis fundamentales de su doctrina y Aristóteles llegará más tarde. De los poetas, Horacio sirve de punto de partida con su Ars poetica; de los retóricos Cicerón, pero sin lugar a dudas, la obra más leída y estudiada es Los diez libros de arquitectura de Vitruvio, el único tratado antiguo sobre las artes plásticas que manejan estudiosos y artistas renacentistas.
Durante toda la Edad Media, los libros de Vitruvio habían pasado al olvido ya que a los arquitectos góticos no les interesaban en absoluto los cánones antiguos. Los libros, pues, habían dormido un largo sueño de siglos hasta que fueron descubiertos (redescubiertos, más bien) allá por 1414 en la biblioteca de Monte Casino. A partir de ese momento fueron considerados como una gran revelación. No dejaron de editarse y traducirse al italiano fundándose, incluso, en 1542 la Academia Vitruviana de Roma.
Cuanto más nos adentramos en el Renacimiento más clara vemos su influencia y, en especial, sobre la teoría del arte. Alberti basa su De re aedificatoria (considerado como el principal tratado renacentista de arquitectura) en Los diez libros vitruvianos, de igual manera que en ellos van a inspirarse muchos de los tratados escritos en los siglos XV y XVI.
Veamos a continuación la relación de tesis más importantes que la estética del Renacimiento adopta gracias a la obra de Vitruvio:

1- En arquitectura, la utilidad es tan importante como la belleza (venustas).
2- Bello es todo aquello conforme a la razón, pero también aquello que agrada a la vista, el aspectus de las cosas.
3- La belleza consiste en la “conveniencia” de las partes. Es decir, según la terminología de Vitruvio, la simetría y el consensus membrorum, la convenientia, la compositio, la proportio y el modus (como medida).
4- La belleza pertenece a la naturaleza y de ningún modo el modelo puede ser superado por el arte.
5- El modelo ideal lo constituye el cuerpo humano por lo que en arquitectura, la “simetría” y las buenas proporciones deben basarse estrictamente en las proporciones de un hombre bien constituido.
6- Existen diferentes grados de belleza, entre ellos se encuentra también la belleza “rebuscada”, es decir, la elegancia.
7- Existen igualmente diferentes variantes de la belleza: el dórico es masculino, el jónico femenino, y doncellil el corintio.
8- “Simetría” y “decor”, a saber, la belleza tiene un factor social que es la adecuación de la obra a las necesidades y costumbres de la gente. De esto se deduce que junto a la belleza formal existe la belleza funcional.
9- Sobre la belleza decide también un factor psicológico pues la belleza no estriba sólo en la “simetría” que es objetiva, sino también en una disposición de las partes que provoca en quien la contempla una sensación subjetivamente agradable. Vitruvio la llama euritmia y en su nombre aconseja efectuar tantas correcciones de proporciones objetivamente perfectas temperaturae como sea necesario.
10- La estética de Vitruvio, aunque fundada en principio para la arquitectura, traza paralelos con el resto de las artes y en particular con la música.

Bien, después de establecer este decálogo espero que tengan estas notas presentes cuando decidan contemplar una obra de arte renacentista. El tema es extenso y sus ramificaciones pueden encontrarse más allá de los límites de este período histórico. Con estas “escasas” cuestiones cumplo con el objetivo que me había propuesto al idear este post. Algunas pinceladas (muy por encima como han visto) que nos acercaran un poco a la figura de este arquitecto y rétor antiguo.
Hasta otra.