EN POS(T) DEL ROMÁNICO

Siempre que podemos Tio Petros y una servidora se toman unos días para recorrer la geografía española en pos de buenos paisajes, buen románico y buena gastronomía.

Como siempre decimos, si a este placer se añade la posibilidad de tomar unas cañas con algún lector amigo, mejor que mejor. Desde este viernes hasta el lunes estaremos en la comarca zaragozana de las cinco villas, recorreremos Uncastillo, Biota, Sos, Sádaba, Tauste, Castilliscar, Ejea, y haremos alguna incursión en la provincia de Huesca (comarca de La Sotonera).

Maravillosas tierras que conocemos algo y queremos conocer más.

Si algún lector quiere compartir unos minutos con nosotros, para eso están los comentarios.

un abrazo

p.d. No crean que me voy a olvidar del post de cada viernes. Ahí lo tendrán. Espero que sea un fin de semana rico en descubrimientos.

MUTATIS MUTANDIS (RESOLUCIÓN)

Como siempre, agradecer su participación a todos ustedes incluidos aquellos que, aunque no hayan dado esta vez con la solución, se han devanado los sesos con La Parte por el Todo de esta semana. Como en la edición pasada, permítanme que en primer lugar dé sentido a las pistas ofrecidas para que, a continuación, detalle la relación de vencedores.

La obra es Madame Récamier de David, y fue ejecutada por Magritte en 1950.

El título del post Mutatis Mutandis nos daba la primera pista para desentrañar el puzzle. Esta expresión latina se utiliza cuando se quiere dar a entender que una situación o un hecho ya han tenido lugar en otro tiempo. Significaría algo así como cambiadas las cosas que han de ser cambiadas, es decir, el hecho es el mismo, lo que cambian son las circunstancias de tiempo, lugar y personas que hicieron aquel hecho.

Como habrán podido comprobar, en las pistas se intercalan tiempos verbales en pasado y en presente y ahora entenderán porqué.

En la pista nº 1, En otro tiempo fui una joven francesa de 23 años, les digo que la obra tiene que ver con un tiempo pasado en el que una mujer era joven y procedente de un país determinado.

En la pista nº 2, Mi padrastro me exhibe con un ingenio mordaz mientras que mi padre me creó delicada y elegante, les sugiero a través de la personificación de la protagonista, que dos artistas la crearon uno después de otro. El padre (Jacques-Louis David) la pintó delicada y elegante y el padrastro (Magritte) la pintó, tiempo después, a modo de ataúd como ven en la imagen.

En la pista nº 3, Estoy ataviada con el mismo traje que las protagonistas de un balcón de Manet, hace referencia al cuadro de Magritte El balcón de Manet, y no al cuadro de Manet, El balcón.

En la pista nº 4, Mi postura es rígida y un tanto incómoda, las palabras sobran. Debían de dolerle las cervicales cosa fina. Bueno, ya no.

En la pista nº 5, Nunca me sentí del todo realizada por eso ha decidido que muera, les doy dos datos: David no pudo finalizar el retrato de Madame Récamier (de ahí que no estuviera del todo realizada) y Magritte la pinta con forma de ataúd.

En la pista nº 6, Frecuenté salones literarios y de tanto trajín necesitaba descansar en un lugar que lleva mi nombre, les ofrece otro dato (en pasado) acerca de su vida y una pista más concreta: el diván donde descansa tomó su nombre precisamente de esta dama y hoy se le conoce como diván récamier.

En la pista nº 7, Fui una gran seductora y aunque mi padrastro no compartía mis ideas políticas, siempre me trató bien, se amplía la información sobre la protagonista y su opuesta tendencia política con David.

En la pista nº 8, Dicen que Paulina y yo fuimos hermanas gemelas pero no tuvimos el mismo padre, intento acercarles a la muchacha a través de la escultura de Antonio Canova de Pauline Borghese cuya similitud con nuestra protagonista es evidente.

Para terminar, contemplen el detalle de la imagen que les ofrecía: sí, ya sé, a primera vista uno no cae, pero fíjense en el extremo superior derecho. Madera con M de Magritte.

Bien, ya habrán podido comprobar que no existe maldad perversa y “acertijera” de Vailima con la que ustedes no puedan. Los comentarios, respondiendo veladamente a la incógnita, han sido una vez más espléndidos por esa sencillez calculada y ese humor ingenioso que han compartido con todos nosotros. Gracias a todos. A continuación, el plantel de vencedores, que tan merecidamente se han ganado una medalla:

CAMPEÓN UNIVERSAL: VERE, fecundo en ardides, áureo atleta que con su inteligencia consiguió, nada menos que a las 7:50 h. llegar raudo y con presteza al corazón del enigma. Orgullo de la madre sabiduría. SALVE, VERE.

En el puesto nº 2, PALIMP, mago de las palabras que ilusionado formulaba encantos lingüísticos con un entusiasmo feroz.

En el puesto nº 3, JAFATRON, anfitrión con casa propia, el de sedoso pijama, lanzador de soluciones.

En el puesto nº 4, CHARLES DE BATZ, por un instante anónimo pasajero, dios de la onomástica y visionario de multitudes.

En el puesto nº 5, RASHID, titán de la poesía, Hiperión de lo que subyace y gran amante de animales que se escriben spamados.

En el puesto nº 6, LADYDARK, hada oscura de bosques rosas, Penélope tejedora de pistas y reina de corazones.

En el puesto nº 7, LOLA, numérica dama que torna la matemática en magia. As de dieces del universo.

En el puesto nº 8, LICINIA, gastronómica compañera y silenciosa en palabras sonoras.

Para Cristina y CM, mi gratitud por haber participado con dedicación y entusiasmo en esta aventura.

A todos, hasta la próxima.

MUTATIS MUTANDIS

Les recuerdo, estimados amigos, las reglas del juego. Deben descubrir el título de la obra de arte y el artista que la ejecutó sin mencionarlos explícitamente con el fin de que todos aquellos que deseen jugar tengan una oportunidad. Tengan en cuenta las pistas y ¡suerte!

1) En otro tiempo fui una hermosa francesa de 23 años.

2) Mi padrastro me exhibe con un ingenio mordaz mientras que mi padre me creó delicada y elegante.

3) Estoy ataviada con el mismo traje que las protagonistas de un balcón de Manet.

4) Mi postura es rígida y un tanto incómoda.

5) Nunca me sentí del todo realizada quizás por eso ha decidido que muera.

6) Frecuenté salones literarios y de tanto trajín necesitaba descansar en un lugar que lleva mi nombre.

7) Fui una gran seductora y aunque mi padre no compartía mis ideas políticas, siempre me trató bien.

8) Dicen que Paulina y yo fuimos hermanas gemelas pero no tuvimos el mismo padre.

CUANDO DUERME LA RAZÓN, CANTAN LAS SIRENAS (y 2)

DIE SUENDE , de Franz von Stuck, es la obra que he escogido para ilustrar el post de ayer. Este óleo sobre lienzo constituyó un desafío importante en la época en la que fue ejecutado aunque para nosotros, espectadores del siglo XXI, lo más llamativo sea el título inscrito en el marco de facturación propia. Sin embargo, les propongo un sencillo ejercicio y remontémonos a 1893, año de su ejecución. Para ayudarnos, leamos la opinión de Hans Carossa sobre la obra:

“La fama del cuadro nos impelía a través de las salas, sin detenernos jamás, y sólo abrimos los ojos cuando al fin estuvimos frente a él. Está expuesto en un monumental marco dorado, magnífico pedestal; un semicírculo de curiosos lo rodea (…) Hay obras de arte que refuerzan en nosotros la sensación de comunidad, y otras que nos invitan al individualismo; el cuadro de von Stuck pertenece a estas últimas. Esta figura nos empuja a todos a un camino solitario en el que antes o después tendremos que cruzarnos con una de sus hermanas vivas”

En el lienzo se nos muestra una mujer que con su torso desnudo asoma desafiante desde la penumbra con una enorme serpiente enroscada en torno a su pálida piel. Sin duda alguna, el placer que siente el espectador reside en la percepción visual de la obra, por cuanto en ella se puede disfrutar de los más variados estímulos, entre los que no falta alguna implicación erótica. Esta perversión sexual, que como tal estaba considerada, estaba ligada al fetichismo, al sadismo y al masoquismo.

En cuanto al contenido de la obra, El pecado (DIE SUENDE), nos muestra a través de una convincente composición, un secreto que nos fascina y que nos obliga a situarnos en los límites de cuanto puede decirse y mostrarse, es decir, en el terreno de lo fantástico. Aquí es donde nuestros pasos indecisos y torpes marchan sobre el abismo donde otro (von Stuck), con su osadía y su heroicidad y su imaginación creadora, nos señaló la brecha y el lugar donde cantan las sirenas. En este sentido puede considerarse este lienzo como una manifestación del arte fantástico, por cuanto que a escala emocional sirve, tanto al pintor como al espectador, de superficie a la que transferir metáforas, pasiones y deseos. Son estos últimos los que otorgan significado al cuadro y nos muestran cómo somos en una realidad borgiana mediante unas herramientas que tan bien maneja el artista: la insinuación y el calculado virtuosismo con que se muestran y se ocultan, en una verdad pictórica posible, nuestros secretos.

El deseo nos mueve, y es él quien pone en marcha el entramado psíquico del individuo, quien –a través de la imaginación- nos lleva de la mano hacia un nuevo mundo que “se nos hace visible” (fantasía). Allí es donde abandonamos nuestra condición de espectadores para convertirnos en voyeurs no sólo por la contemplación de imágenes prohibidas sino para satisfacer una de las necesidades básicas del ser humano: la curiosidad, la mirada indagadora, la voluntad de comprender.
“El límite siempre culpó al límite de que la vida estuviera de algún lado” y sin embargo sabemos que los únicos límites que existen son los que imponen nuestra mirada, nuestro deseo y nuestra imaginación.

CUANDO DUERME LA RAZÓN, CANTAN LAS SIRENAS (1)

En Salón de 1859, Baudelaire habla del gobierno de la imaginación. “Así como la imaginación ha creado al mundo, ella lo controla” dice al comienzo de su discurso. Pero “imaginación” no como aquella idea que de forma abusiva consideramos sinónimo de fantasía, sino más bien, como aquella imaginación creadora cuya función, mucho más elevada, hace que el hombre -hecho a semejanza de Dios-, guarde una especie de lejana memoria de este poder sublime por la que el Creador concibe, crea y mantiene su universo.

Entendamos el concepto baudelairiano tan tímidamente como él reconoce que lo pronuncia y demos un paso más precedido de la distinción que Roger Caillois desarrolla en L´image fantastique:

“Lo fabuloso es un universo maravilloso, que se adapta al mundo sin cuestionarlo ni incrementar su conexión. Lo fantástico, por el contrario, desvela un escándalo, una grieta, una extraña rotura insoportable para el mundo real. (…) Hay que tener en cuenta que en un mundo cada vez más extraño, lo fantástico carece de todo sentido. En un mundo de maravillas lo extraordinario pierde su poder”

Como fruto de la imaginación en tanto que motor creativo surge la fantasía como una forma de la primera para explorar y dotar de sentido al alma. Imaginación y fantasía no pueden considerarse, pues, sinónimos y ha de entenderse la segunda como el producto necesario del quehacer de la primera. Etimológicamente, fantasía deriva de la raíz verbal “hacerse visible” de tal modo que “la realidad es como esa imagen nuestra que surge en todos los espejos, simulacro que por nosotros existe, que con nosotros viene, gesticula y se va”. Estas palabras de Borges no hacen sino ubicar el objeto y el sujeto de la imaginación en el marco de lo fantástico. El objeto es la propia realidad de la que habla Rainald Goetz (“nada hay tan fantásticamente sobrecogedor como lo auténtico, nada tan increíble como la verdadera realidad”), una realidad que abarca sobre todo, al propio ser humano, al individuo y en un ejercicio de introspección el hombre se convierte así en objeto y sujeto al mismo tiempo.

Retomando las palabras de Caillois, la fantasía irrumpe en los márgenes de lo real y se mueve alejada de todo orden provocando una fisura allá donde habita la libertad total del hombre (Buñuel) y, es precisamente aquí, entre desórdenes, cuando en las artes plásticas ven la luz espacios y tiempos irracionales que Max Ernst definiría con una maestría casi poética: “cuando duerme la razón, cantan las sirenas”.

La fantasía se mueve siempre en un mundo intermedio, en los secretos, en las profundidades y abismos del ser humano. Osadía controlada que mira detrás de los espejos y escapa de lo conocido, de lo mediocre y lo establecido, capaz de transmutarse como un sistema abierto a nuevos terrenos.
En este mundo reina la fantasía y, a diferencia de otras manifestaciones artísticas limitadas por la época y las modas, el arte fantástico –por su atemporalidad- no puede verse amenazado porque su objeto no es otro que el hombre mismo y su conciencia.

Al hombre como héroe, sabedor de su limitada naturaleza, entre dios y marioneta (Kleist), se le ha concedido el don de la fantasía, aquella que “desarma toda la creación según leyes que proceden del interior más profundo del ama, reúne y articula las piezas, y crea con ellas un mundo nuevo” (Baudelaire).

“La naturaleza no tiene imaginación”. El hombre sí.

¿NOS LO/LA COMEMOS?

Alguien habrá podido pensar que Vailima, o sea una servidora, se ha olvidado de que hoy es viernes. Error. Aquí estoy hoy de nuevo (no olviden echar un vistazo a la resolución de La Parte por el Todo de esta semana) para desearles un buen fin de semana. Les dejo esta hermosa imagen y les lanzo una pregunta a modo de reflexión (que puede hacerse pública, si se atreven):

¿Qué o a quién querrían comerse este fin de semana?

Séanme buenos y felices y, como en el cuento, a comer perdices.

EL BÁLSAMO CONTRA EL DOLOR (RESOLUCIÓN)

Vermeer, La clase de música (Caballero y dama tocando el virginal) , 1662-1665

Estoy francamente impresionada con el número de participantes de la edición de esta semana de La Parte por el Todo. Antes de dar comienzo a la entrega de premios, permítanme una disculpa y una explicación para dar sentido a las pistas que les ofrecía.

En primer lugar, he de confesar que de tanto repetirme que el juego era fácil –como bien apuntaba Vere en su comentario-, una no ha podido resistirse a la tentación de apuntar más fino. Esta cuestión, que me ha divertido muchísimo en un principio, no ha hecho sino demostrarme que es la talla de los participantes la que me impone la altura del listón.

Una vez aclarado este punto, iré dando cuenta del significado que subyacía en cada una de las pistas que les facilitaba.

1) Sobre mí reposan las manos de una dama y un caballero: una vez resuelto el acertijo, sabrán que quien dice estas palabras es el virginal.

2) Pitágoras ya hablaba de los efectos de mi compañía: es decir, de los efectos de la música.

3) Debo de permanecer de pie, aunque mi amigo puede descansar en el suelo: el amigo no es otro que el violoncelo que reposa en el suelo de la estancia.

4) Destino incierto de retinas, amor desesperado: virginal naturaleza que sueña con ser acariciado por la dama que me ignora y que ustedes creen haber mirado: aquí me he permitido utilizar una licencia poética (perdóname Herri, ya sé que eres muy exigente en este sentido). Si observan la imagen verán que el espectador ve a la dama de espaldas ensimismada tocando el virginal, sin embargo, a quien mira es al caballero de su derecha y esto lo sabemos por el espejo que refleja su rostro.

5) Silenciosa es la inscripción que en mi interior encierro hasta que sus dedos destapan su significado: esta pista da cuenta del título del post. En el interior de la tapa del virginal, aparece una inscripción latina que dice así:

MUSICA LAETITIAE COMES MEDICINA DOLORUM (La música es compañera de la alegría y bálsamo contra el dolor). La música entonces está relacionada con una función terapéutica que se une con la referencia de Pitágoras que afirmaba que la armonía de la música templa y amansa los estados de ánimo, o sea, que tiene influencia sobre los afectos.

Una vez terminada la ronda de aclaraciones, paso a detallar, por riguroso orden, la lista de ganadores.

En primer lugar, queda proclamado campeón de esta semana RASCHID, que con unas hermosas palabras nos ofrecía la solución (los ojos del espectador están separados por el espejo –objeto carrolliano-, el violoncelo debe ser incorporado para ser tocado y la dama es holandesa como un tipo de papel). ¡Bravo!

En segundo lugar, JAFATRON, que tuvo un gran jueves y pudo ir al compás del acertijo.

En tercer lugar, LADYDARK, que luchó contra viento y marea hasta que la vida profesional y su jefe, en concreto, se lo permitieron.

En cuarto lugar, CHARLES DE BATZ, que no se rindió hasta que la luz de Oriente le iluminó.

En quinto lugar, VERE, a quien la madrastra de Blancanieves no dudaría en ofrecer otra manzana.

Y, por último, en sexto lugar, INDIA, que gracias a su tenacidad consiguió por fin que la dama le contemplara de frente.

También quisiera decirles que otros tantos han estado muy cerca, y que algún otro (Herri Otrow, lo siento) no pudo participar por la inclemencia de alguna orfandad informática.

Un saludo a todos.

EL BÁLSAMO CONTRA EL DOLOR

1) Sobre mí reposan las manos de una dama y un caballero.

2) Pitágoras ya hablaba de los efectos de mi compañía.

3) Debo de permanecer de pie, aunque mi amigo puede descansar en el suelo.

4) Destino incierto de retinas, amor desesperado: virginal naturaleza que sueña con ser acariciado por la dama que me ignora y que ustedes creen haber mirado.

5) Silenciosa es la inscripción que en mi interior encierro hasta que sus dedos destapan su significado.

Título de la obra y autor. Espero hacerles sufrir un rato (agradable, claro).

EL PERVERSO INGRISMO DE TAMARA DE LEMPICKA (y 3)

“Las formas bellas son superficies planas con redondeces”
Ingres

Ingres: Detalle de Júpiter y Thetis

Los contemporáneos del francés afirmaban que su Gran Odalisca tenía tres vértebras de más y que el cuello de Thetis era demasiado largo. ¿Demasiado largo?: “un cuello de mujer no es nunca lo bastante largo” –nos reprocharía-. Las líneas que quizás nosotros encontremos exageradas no son para el artista más que correcciones de la naturaleza por sí misma, punto éste al que Baudelaire criticaría con su demoledor estilo: “aquí (en los modernos), tenemos un ombligo que se extravía en las costillas, allí un seno que apunta al sobaco”. Lo que está claro es que Lempicka hacía oídos sordos a estos y otros reproches y en sus obras puede contemplarse la exaltación de espaldas, muslos, caderas y brazos que, como buena alumna, ha atesorado para sí de su maestro.

La identificación llega incluso a reproducir en más de una ocasión una deformación típica del francés como en el caso de Andrómeda con respecto a Angélique: la misma carnosidad, las mismas deformaciones en brazos y cuerpo e, incluso, el mismo bocio, hipertrofia de la glándula tiroides que las predispone a una vida sexual especialmente activa.

Mujeres que esperan el placer o se recrean en su recuerdo. Individualidades que en su voluptuosidad nos alertan entremezclando sus cuerpos desnudos mientras se acarician y se huelen. Heroínas del erotismo creadas desde la mirada de Lempicka, desde el secreto más oscuro de la ancianidad de Ingres.

Alrededor de estas formas perfectas, merodea el deseo.

EL PERVERSO INGRISMO DE TAMARA DE LEMPICKA (2)

“No hay nada tan excitante, tan sutil, tan ´ingresco´ como el momento en que se establece una perfecta armonía entre un cuello y un collar, entre un terciopelo y un trozo de carne desnuda, entre un chal y un mechón de pelo; como la línea de encuentro entre un comienzo del pecho y un escote, entre un brazo y un guante alto. Si los retratos de mujeres tienen una irradiación particular, es porque, como los desnudos –si bien con menos franqueza- proceden de la luz del deseo”
Gaétan Picon

Tamara de Lempicka: Mujeres bañándose, hacia 1929

Los cuerpos desnudos femeninos tanto de Ingres como de Lempicka ignoran el deseo que suscitan. Las miradas, las zonas desnudas del cuerpo o las ropas ceñidas fundidas en una segunda piel despiertan el deseo sin saberlo. Ambos artistas impregnan sus trabajos con una gran dosis de erotismo y de sensualidad, pero mientras que Ingres disimula constantemente la suya propia, Tamara la proyecta.
El poder de la carne se mezcla con la tela; los hombros y los brazos resultan tan sutiles como los terciopelos y las sedas y, los pliegues de los tejidos se confunden con los pliegues de la piel. Parafraseando al célebre Picon, podría decirse que no es tanto el cuerpo quien parece querer manifestarse en cualquier momento sino que es el vestido quien, a punto de caer, retrocede a la vista de su aparición triunfante.

El perverso ingrismo de Lempicka invade muchas de sus obras: retratos de mujeres en los que uno no sabe dónde comienza la carne y dónde termina el vestido como en el caso de Retrato de Ira P. o en los que la modelo parece tatuada por los encajes transparentes que la envuelven al igual que una criatura de Botticelli como en el caso de Nana de Herrera . El vestido de tirantes del retrato de Mrs. Alan Bott nos revela más que lo que oculta y la consonancia plástica que Tamara tan bien maneja queda patente entre el respaldo del sillón y el cuello de piel de la baronesa Renata Trévès .

J.A. Ingres: Baño turco, 1862

Por su parte, Ingres, burgués y decoroso, defensor de la tradición y del orden establecidos se llevaría las manos a la cabeza si hubiera sabido que la desvergonzada polaca, la marginada como gustaba proclamarse, se habría sumergido en su Baño turco para inspirarse en sus grupos de desnudos. Su obra maestra, pintada a la edad de ochenta y dos años, constituye el erotismo puro tanto en su forma como en su contenido: cuerpos desnudos de mujer formando una masa compacta y circular. Sensualidad cerrando un círculo como un himen inmenso.

Hasta mañana.

EL PERVERSO INGRISMO DE TAMARA DE LEMPICKA

Tamara de Lempicka: Andrómeda, 1927/1928

“No hay milagros. Sólo hay lo que cada uno hace”

Y ella hizo el milagro. Su objetivo en la vida consistía en tener éxito y prosperar. Tal y como revelara su hija Kizette en el libro de memorias dedicado a su madre, Tamara de Lempicka se había propuesto comprar un brazalete tras cada dos cuadros vendidos, hasta estar cubierta de joyas y diamantes desde la muñeca hasta el hombro. Nada ni nadie haría que la “pequeña patata caliente” polaca desperdiciara una sola oportunidad para hacerse un nombre. Para conseguirlo debía elaborar la receta con los ingredientes necesarios y, para comenzar, habría de definir su estilo.

El vanguardismo, sinónimo para Lempicka de “ser un muerto de hambre”, estaba demasiado expuesto a fluctuaciones como para seguir por su camino y lo que hace, entonces, es entregarse a una mezcla sutil entre el postcubismo y el neoclasicismo (de moda en ese momento), con un toque del genial Ingres. ¿Por qué Ingres? Dos razones poderosas daban respuesta a la incógnita: por un lado satisfacía sus propios impulsos eróticos y, por otro, satisfacía los libidinosos sueños de su futura clientela con poder de compra, a saber, la burguesía.

Ingres: detalle de Angélica, 1819

A través de su amigo André Lhote, Tamara aprende a conocer y a apreciar a Ingres, al pìntor que demostró ser tan erótico como ella misma y para la aventura, la diosa de ojos de acero, hace su apuesta y gana. Uno y otro comparten la misma perversidad que dará como resultado el que los críticos se entusiasmen con sus obras proporcionándole así la publicidad tan anhelada. Sin embargo, diferencias conceptuales hacen diferentes sus obras. Ingres estaba ligado al arte virtuoso (no es éste el caso de Tamara) y a las formas puras de Rafael. La terrible consciencia del significado de “pecado” le convertía en un ser moral en su esfuerzo por dominar los sentimientos de concupiscencia que las imágenes de sus damas pudieran suscitar.

A Tamara no le importa lo más mínimo el sentido del pecado. No le importa en su vida privada, mucho menos en sus obras. Sin embargo, por razones radicalmente opuestas, el resultado de ambos artistas confluye en un lugar común: la hipocresía, una “virtud” terriblemente eficaz para los dos. Pero de eso ya seguiremos hablando mañana.

EL IMPOSTOR

Estimados amigos, lectores de este blog, una vez más les deseo que pasen un feliz fin de semana a todos. Dejen a un lado los problemas de la semana laboral y hagan oídos sordos a noticias alarmistas sobre epidemias de gripe aviar: observen la muestra del ejemplar infectado encontrado en nuestro país. No es para tanto…

Un saludo y ya saben, desde la impostura séanme buenos.

p.d. Querría agradecer a nuestro estimado Herri Otrow, su gesto para con esta casa, por haber sugerido el título de esta nueva sección de La Divina Comedia. Hubiera querido remitirles algunos versos de este afamado poeta apodado “el azote de los príncipes” pero en el camino de la traducción van perdiendo sonoridad y he estimado conveniente su omisión. Bueno, por esto y porque no me atrevo (vaya la verdad por delante).

Gracias amigo

LA NATURALEZA NO TIENE IMAGINACIÓN (RESOLUCIÓN)

Enhorabuena a los ganadores de esta edición y, en especial, a Charles de Batz por su presteza y magnífica puntería a la hora de resolver la incógnita, proclamándose campeón cum laude.

A Vere, que en lo que a mí respecta necesitó de una segunda oportunidad, mi gratitud por haber demostrado una vez más que es un monstruo por su dominio en la mirada aunque sea necesario atravesar un juego de espejos para alcanzarla y, por último,

a Herri Otrow, que consiguió no sólo no llegar tarde sino regalarnos unos hermosos versos de Guillermo Landa sobre Gauguin.

Me veo en la obligación de conceder un accésit a Francisco Polo , ya que aunque no adivinó la obra, sí su autor y merodeó muy cerca de la solución.

Efectivamente, amigos, se trataba de Autorretrato con Cristo amarillo, pintada por Gauguin entre 1889 y 1890. La “trampa” de la que ayer les hablaba, no era otra que utilizar la técnica del “cuadro dentro del cuadro” del propio artista y presentarles a su vista un detalle de El Cristo amarillo (1889) sin otro motivo que confundirles (que no engañarles).

Comparen uno y otro y den sentido a las pistas que les ofrecía.

Un saludo

LA NATURALEZA NO TIENE IMAGINACIÓN

 

1)     Me presento ante ustedes entre lo divino y lo pagano.

2)     Sus sentidos pueden engañarles: estoy jugando con Alicia pero no en el País de las Maravillas.

3)     Siempre llevo un pequeño museo a cuestas.

4)     Someto mi tilde diacrítica a una especie de demolición controlada que hace inciertos los límites.

 

¿Saben quién soy?

SIN TÍTULO, UNTITLED, OHNE TITEL

Jasper Johns, Salida en falso, 1959

Arshile Gorky, El hígado es la cresta del gallo, 1944

Jackson Pollock, Polos azules, 1953

Robert Motherwell, Elegía a la República española, 1953/1954

Nicolas de Staël, Figura a orillas del mar, 1952

Jean Fautrier, Desnudo, 1946

Ustedes mismos…

GIUSEPPE MARIA CRESPI: LA PULGA Y LOS ESPÍAS

A penas una luz tenue sobre la pobre habitación de una sirvienta. Todo está desordenado a su alrededor, varias prendas y objetos domésticos cuelgan de una pared de ladrillo o de un tosco taburete y algunos objetos personales constituyen la única decoración de la estancia. Todo está revuelto y huele a humedad.
En el centro de la imagen, una mujer sentada en el borde de una cama deshecha, aparece vestida tan sólo con un camisón. Se afana por atrapar la pulga que al parecer se encuentra bajo uno de sus pechos. En el intento, deja al descubierto sus brazos vigorosos, su redondeado hombro y sus carnosas rodillas.
Ajena a nuestra presencia, la joven sirvienta se empeña en la captura de la molesta criatura mientras el espectador, a su vez, captura la perfecta intimidad de la escena para admirar y hacernos poseedores, en secreto, de la inocencia de la muchacha, inocencia que no nos pertenece.
¿Por qué no puede tratarse de la hermosa Venus? ¿Acaso el perro acostado sobre la cama o las rosas del jarrón junto al recipiente de maquillaje no podrían ser lejanas reminiscencias de esa identidad?

Nosotros decidiremos, pues, espías de lo íntimo, desde nuestra privilegiada perspectiva, qué deseamos contemplar desde el agujero de nuestra cerradura.
El arte es curiosidad y tenemos hambre. De eso no hay duda.

CURIOSO PRODUCTO GASTRONÓMICO

En puertas ya de un espléndido fin de semana, les dejo esta imagen tan bella y tan comestible. Se trata de un manjar que conviene degustar en caliente aunque previamente haya que manipularlo para que expulse el líquido casi amargo que contiene en su interior. No es necesario quitarle la piel, eso sería una aberración por nuestra parte, simplemente basta con una buena limpieza debajo del grifo.

Para saber si el producto está en condiciones para ser ingerido, basta con comprobar si su piel está tersa y su corpus duro, bien duro. Estas dos características constituyen la base de su éxito gustativo.

Sobre el tamaño no hay una opinión unánime. Los hombres dicen que no importa su tamaño, por el contrario, las mujeres las preferimos grandes y cuanto más consistentes mejor, por aquello de que nos dure para otras ocasiones sin perder ninguna de sus propiedades principales.

Un consejo más, aunque arriba les comentaba que es preferible su consumo en caliente, les diré que puede ingerirse también en frío aunque naturalmente es menos placentero porque en la boca se producen unos extraños vacíos que obligan a trabajar más la mandíbula y con mayor rapidez.

Espero que les haya gustado el producto. Se lo recomiendo encarecidamente. Eso sí, les propongo compartir este plato con otra persona de confianza, de esta manera uno pone la materia prima y el otro cocina.

Ya saben, séanme pecadoramente buenos.

EL HOMBRE SIN ATRIBUTOS

Cuando tengo un nuevo post en mente, lo primero que hago es acudir a la web para capturar la imagen que me parezca más apropiada en cuanto a dimensiones, colores y nitidez. En este universo al alcance ya de muchos, Dante lo hubiera tenido difícil: las cosas no son siempre como se nos muestran y en cuanto a imágenes se refiere, le hubiera resultado penoso discernir entre el paraíso, el purgatorio y el infierno.

Hoy quería hablarles de una obra de Jan van Eyck titulada Retrato de Jan de Leeuw. Como es mi costumbre he acudido a mi particular museo virtual y compruebo atónita que me han robado. Sí, robado. Pero no sólo a mí, sino a todos ustedes también. Me explico.

De la obra en cuestión, me interesaba más que el lienzo, el marco. No es que la edad me haga delirar, ni tan siquiera he pasado mala noche, ni tengo enfermo a ninguno de mis vástagos, de ahí que el post de hoy no verse ni de Tita Cervera ni de la real familia. El robo se explica porque las imágenes que se ofrecen de la obra aparecen sin marco y sin él, no tengo post. Solucionado este punto, gracias a una dosis de paciente búsqueda y al photoshop, comienzo con el mismo.

El hombre del lienzo, ricamente vestido, nos dirige una mirada penetrante. Acostumbrados como nos tiene van Eyck a los detalles, la descripción de los rasgos faciales del retratado es minuciosa: boca carnosa, cejas bien definidas, el nacimiento del pelo apenas visible bajo el cubrecabezas…

La mano izquierda se encuentra en reposo y, la derecha muestra un anillo que alude a la profesión del caballero. Jan de Leeuw era uno de los mejores orfebres de Brujas, un burgués que quiso ser inmortalizado gracias al arte.

Hasta aquí el lienzo que, como les decía al comienzo del post, es lo menos interesante de esta obra. Lo que me llama verdaderamente la atención es el marco.

No se trata de un marco corriente ya que fue pintado por el propio artista. Fingiendo metal, rodea el marco una inscripción en verso que nos informa, además del nombre del artista y la fecha de ejecución, de la identidad y hasta la fecha de nacimiento del retratado. Curiosamente, valiéndose de un original recurso, el apellido no está escrito sino figurado mediante un pequeño león. La inscripción es perfectamente legible:

JAN DE (LEEUW) OP SANT ORSELEN DACH DAT CLAER EERST MET OGHEN SACH 1401 GHECONTERFEIT NU HEEFT MI IAN VAN EYCK WEL BLIICT WANNWEERT BEGA(N) 1436

y de ella podemos deducir el impulso que mueve al artista hacia una perfección del resultado: según la inscripción, la fisonomía del orfebre no ha sido “retratada” sino “gheconterfeit”, imitada, aludiendo a la absoluta fidelidad con que ha sido representado.

Siempre más allá, exquisitamente más allá –diría yo-, van Eyck pinta o mejor “graba” de forma ilusoria las palabras alrededor del marco. Las del borde inferior se encuentran al revés por lo que para seguir leyendo uno tiene que coger el cuadro e irle dando la vuelta mientras lee.

¿Comprenden ahora porqué era tan importante mi marco? Porque sin él, el cuadro no está completo al tratarse no sólo de una superficie pintada sino de un objeto tridimensional que además de contemplar podemos tocar.

Como las joyas creadas por el mejor orfebre de Brujas.

pd. Para mañana les tengo preparado un post de lo más jugoso. 

LA APOTEOSIS DE HOMERO

Ya que he sido incriminada por la parca naturaleza de los premios que otorgo, decíos, ¡Oh participantes!, que el resultado de la presente olimpiada es el que a continuación detallo:

I. PALIMP, padre de las palabras

II. RASCHID, el que lanza cabezas de bronce

III. VIGI, el que concibe sensatos pensamientos

IV. VERE, el de ínclito nombre

V. CHARLES DE BATZ, el de magnánimo espíritu

VI. HERRI OTROW, el fecundo en ardides

A JOSE, el que dispara de lejos y a TIO PETROS, el dador de bienes, mi gratitud por su contribución en la lid.

La PARTE de esta edición correspondía a la obra LA APOTEOSÍS DE HOMERO pintada por el ilustre INGRES. Si lo desean pueden presentarse a la reunión . Serán bien recibidos.

Un apunte más: el protagonista principal de este lienzo debe su nombre a un suceso peculiar ¿saben de qué les hablo?

LA AURORA DE AZAFRANADO VELO

Espero, amigos, que los dioses les acompañen en La Parte por el Todo de esta semana. Como siempre, pedirles que sugieran la respuesta, para que otros que lleguen más tarde (y no miro a nadie…) puedan dar con la solución.

1) Todos los aquí presentes son inmortales.

2) Se podría decir que mis amigos son “de lo más leído”, “de lo más pintado” y “de lo más oído”.

3) El socio de honor de esta bitácora se encuentra en la reunión.

4) A mis pies, dos bellas damas. ¿Cómo no amarlas si de mí han nacido?

Bien mirado, toda una epopeya.

¡Suerte!