BRUEGEL EL VIEJO Y LOS VIEJOS REFRANES

Este hombre me encanta. Es uno de los artistas más cachondos que conozco y tengan en cuenta que ser “cachondo” en el siglo XVI tiene más mérito que serlo ahora. Con él nos reimos. De algún otro contemporáneo nuestro deberíamos reírnos de él (y entiéndase el “deberíamos” como imperativo categórico al puro estilo kantiano). A lo que vamos.
Hoy les propongo una forma diferente de contemplar un cuadro. Como si estuviéramos inmersos en un capítulo del CSI Miami, les invito a diseccionar una obra de mi amigo Peter, dulcemente, con humor y con todo el respeto que me merece un maestro de la pintura universal como es él.



La obra que nos ocupa tiene un precedente. En 1558 Bruegel ensambló en un cuadro doce objetos que originariamente hubieran servido de platos. La imagen de cada uno de los doce platos representa un refrán de la época. Un año después retoma el tema de los refranes. Esta vez sobre un lienzo en el que se ven representados más de 100 refranes y giros idiomáticos muchos de ellos en desuso. Se trataría pues de representar actos estúpidos, inmorales y maneras tan desatinadas de proceder que podríamos pensar en el artista como un coleccionista minucioso de mirada escéptica con la que contemplaba a sus contemporáneos.

Antes de nada, una advertencia. Por las limitaciones de la administración de este blog, me es imposible colgar imágenes que sobrepasen los 20 k por lo que he tenido que reducir cada fragmento prácticamente a su mínima expresión. Espero, no obstante, que a pesar de ello les sea agradable o al menos simpática la disección que nos ocupa. ¿Comenzamos?



1- Cuando el techo está cubierto de tartas (vivir en jauja).
2- Casarse bajo una escoba (sin la bendición de la Iglesia; donde hay tejas hay putas).
3- Tener colgada la escoba (los señores no se encuentran en la casa).
4- Mirar por los dedos de la mano (no mirar con cuidado ya que de cualquier forma saca provecho).
5- Cuchillo colgado (desafío).
6- Zapatos sin calzar (esperar en vano).
7- Tomarse de las narices (engañarse mutuamente).
8- La suerte está echada.
9- A los necios les tocan las mejores cartas.
10- Depende de cómo caigan las cartas.
11- Cagarse en el mundo (despreciar el mundo).
12- El mundo está al revés (lo contrario de lo que debería ser).
13- Tirar por los ojos de las tijeras (obtener ganancias fraudulentamente; o también ojo por ojo).

Bien, por hoy y para ir abriendo boca es suficiente. En próximos post iremos contemplando la maestría de nuestro artista plasmada en 118 imágenes donde
–como ya sabemos- el azar no existe.
Por cierto, no les he dicho cómo se titula el cuadro. Tampoco se lo voy a decir. Lo van a tener que descubrir ustedes. Y como en este lienzo el “número” es el rey, no sólo me van a decir uno sino los dos títulos con los que se conoce a esta preciosa obra.
Un saludo

BRUEGEL EL VIEJO Y LOS VIEJOS REFRANES (2)

Lo primero es lo primero y voy a dar la solución del acertijo con el que finalizaba el post anterior. Como ya sugirió nuestro estimado Palimp en sus comentarios, el título del lienzo que nos ocupa es Los refranes flamencos (de ahí el término “palimpiano” de “lolailo”) o también “Los refranes neerlandeses u holandeses). El segundo título al que hacíamos referencia es El mundo al revés de ahí que a modo de pista sugiriera la presencia en el cuadro de dos esferas que representan al mundo: una en la parte superior izquierda cuya cruz está boca abajo y, la otra, con la cruz hacia arriba, sujeta por la mano de un noble caballero en la parte inferior derecha. Como el maestro Palimp nos decía que en el centro del cuadro se encuentra una imagen que hace referencia a otro título, le insto desde aquí a que nos lo cuente (como sólo él sabe contar las cosas).
Una vez hechos los deberes del día pasado, sigamos con nuestra disección. En el post de hoy veremos los refranes del 14 al 24.



14- Dejar un huevo en el nido (la gallina pone sobre un huevo).
15- Hombre vendado con dolor de muelas (ser una mosca muerta).
16- Mearse en la luna (a) esforzarse por lograr algo imposible. b) malograrse una empresa.
17- Tejado con agujero.
18- Un tejado viejo necesita reparaciones.
19- Tener el tejado latas (las paredes oyen).
20- Tener colgado un orinal (en lugar de una jarra).
21- Afeitar sin jabón al necio (en la barba del necio aprende a rapar el barbero).
22- Crecer por la ventana (no puede permanecer secreto).
23- Dos necios en una caperuza (el necio ama la compañía del necio).
24- a) tirar un dardo tras otro (perseverar en algo que no vale la pena).
b) tirar todos los dardos (gastar toda la pólvora en salvas).

Lo del arte ha sido un negocio durante toda la historia. No vayan a pensar que sólo actualmente el mercado del arte sufre de trapicheos y meriendas entre unos cuantos. En tiempos de Brueguel también funcionaba de este modo. Los grabados y dibujos se hacían por encargo en su mayoría. En el comercio de Amberes que regentaba el comitente Hieronymus Cock se vendieron (1557) a un incauto cliente, un grabado y su estampa correspondiente ejecutados por un joven Bruegel con la firma de un tal Hieronymus Bosch. Y díganme:

¿por qué sabemos que se trataba de un timo?
¿a qué grabado nos referimos?

p.d. está claro que el cliente no tenía asesores tan bien documentados como nuestra Tita Cervera, pero seguro que a ustedes no les habría pasado lo mismo ¿verdad Palimp?
p.d.2. Carl, amigo mío, un refrán (ya que estamos en ellos) a modo de consejo: aquí el que no corre, vuela...y nuestro amigo del Cuchitril es un ave rapaz.
Un abrazo.

PARTÍME EL CULO, QUE DIJERA AQUEL

Aunque el título del post les resulte un tanto soez, sé que al final del mismo comprenderán mi atrevimiento.
Una vez más, los concursantes de “Date el bote”, programa de la televisión vasca (EITB) que se emite diariamente y, diariamente provoca vómitos convulsivos a aquel que ose comer mientras lo contempla, digo, los concursantes han demostrado que se pasan por el forro de sus c… al Quijote, a Cervantes y a todo lo que guarde relación con un atisbo de conocimiento sea cual sea.
Perdonen que les hable así, pero el estado de ovulación espontánea en el que me he sumergido tras escuchar “los palabrotas” de una parte de la juventud vasca (y no tan jóvenes) que decide presentarse en sociedad ante las cámaras de esta mierda de programa presentado por Carlos Sobera hace que quizá los dedos se precipiten hacia el teclado con tanto atropello por su parte que me den ganas de aporrear la televisión hasta que pida clemencia.
En fin, como cada martes (parece ser) cada concursante debe explicar qué le ha llevado a presentarse al concurso. El joven (que por mí fuera no le dejaba crecer del martillazo que le pegara en la cabeza) dice que para “tener riqueza de léxico cultural”.
- ¡Olé tus cojones! ¡viva la madre que te parió que cuánto descansó! ¡eso sí que es saber ganarse al público y a la audiencia y no el Pocholo ese que ni vocaliza ni ná! Si donde esté el pueblo llano…

Parece ser que para obtener dicha riqueza, otra concursante, esta vez en el turno de las chicas ha demostrado que léxico, léxico no, pero cultura… y ha respondido a la pregunta de “¿cuáles son las siglas a las que nos referimos cuando hablamos del Fondo Monetario Internacional?” :
- O.N.U.

¡Eso sí que son ovarios y trompas de Falopio y violas de gambas a la gabardina!
Y les confieso una cosa, que partíme el culo con ello y apiádome del pobre marido cuando lo tenga y le inste a que arregle el bote sinfónico… que en todos sitios cuecen habas y alguien tiene que hacer de cabeza de kurdo.

UN POCO DE ROMÁNICO

Como ya les ha contado Tio Petros aquí, nos vamos a tomar unos días libres para visitar “las merindades del norte de Burgos, el Campoo de las cercanías de Reinosa; la comarca palentina de La Ojeda y la burgalesa de Las Loras”. Estaremos desde el próximo jueves 17 hasta el domingo 20 de febrero.
Como siempre que hacemos una escapadita nos gustaría disfrutar de la compañía de algún amigo que quiera venirse a charlar con nosotros mientras nos tomamos unas cañitas. Así que una vez lanzada la invitación y si alguien se anima, basta con decirlo en un comentario o en mi email.
Saludos

p.d. ¡Ah! se me olvidaba. Hoy 14 de febrero, día de San Valentín, aunque no te voy a regalar ninguna mariconada, Tio Petros, que vaya por delante ese TE QUIERO que sabe a gloria.
Un beso (sin inocencia, naturalmente)

LA FAVORITA DEL REY

Ya saben ustedes la atracción que siento por la monarquía. Ahora mismo hasta me encuentro algo inquieta por el futuro de la nuestra. Casi un año de casados y les princes no tienen descendencia. Menos mal que en el peor de los casos hasta podríamos echar mano del hijo de la bióloga.
Y es que esto de reinar, leches…, como que tiene sus inconvenientes. Todas las monarquías tienen su “sanbenito”. Nosotros hemos podido disfrutar de un renacimiento de la capa española a manos del yerno de España que para qué. Ni al mismísimo Conde Drácula le caería mejor. No recuerdo bien en este momento pero creo recordar que ha sido nombrado recientemente embajador mundial de la casa Loewe. Claro, no es lo mismo que serlo de la Casa de Alba o de la Casa de Windsor. Pero al caballero este “trabajo” le va como anillo al dedo después de que su salud se viera mermada por la enfermedad. Afortunadamente y, gracias a Dios, su órgano sexual no se ha visto afectado por la parálisis. Como está en el centro mismo…
Los británicos sí que saben. De algo les tenía que servir la experiencia de siglos que han adquirido con la caza del zorro (o de la zorra, porque desde el caballo no se aprecia bien la diferencia…). Lo de los britis, digo,…es arte. Y duende el que tiene el Charles. Porque el amor es el amor, y lo de la leididaiana fue una imposición. Virgen, ¿para qué coño quiere alguien a una virgen en el siglo XX? Para dar trabajo, sólo para eso. No se vayan a pensar ustedes que lo de virgen va con segundas. Una santa, a eso me refería y si no que se lo hubieran preguntado a Teresa de Calcuta o a las decenas de niños que tuvieron el privilegio de ser fotografiados en un hospital con la rubiaza macarena que les hizo olvidar a ellos y a sus familiares el cáncer que les iba a matar. En Sevilla hasta pensaron en dedicarle un paso con su figura. No pudo ser. El hermano de la Santa dijo que la imagen iba con un traje antiminas o nada. Y es que señor hermano, a los españoles nos mueve la tradición. Así que las monas de Gibraltar se vistan de Versace.
No olvidemos que el poder y la gloria de los monarcas les viene de Dios, o como dios diría yo. Pero tanto vivir entre gente normal, no entiendo porqué tanto problema para que el Charles se case otra vez. “A rey muerto, rey puesto” reza el refrán y como ya se sabe que los ingleses siempre han sido unos adelantados para todo, pues venga, ¿por qué no va a poder el hombre casarse con la camella esa, digo con la Camilla esa, que por hacer hasta hace honor a su nombre? Si es que como diría el Diego Serrano, tenemos la mirada sucia y todo a nuestro alrededor nos parece Sodoma y Gomera…
Más permisividad, señores, que estamos en el siglo XXI y a ver si ahora un pobre príncipe no va a poder hacer lo que le salga de los cojones. ¡Qué le importará a ella no ser reina sino princesa cuando a este paso no va a ser rey ni él!. Y además, ni lo de ser princesa importa siempre y cuando siga siendo la cuerdita de tampax favorita del cazador de zorros/as.

Pasen un buen fin de semana. Séanme buenos y felices que estoy guisoteando para la semana que viene una delicia a lo Brueguel con la que se van a divertir.
Un saludo

NO ES CHISTE

No, educar a un hijo no es ningún chiste y más si hablamos de temas sexuales.
Sencillamente, no se dejan educar. Una que es madre “joven”, liberal y moderna sueña con que llegados a este punto tan delicado, la conversación fluya naturalmente. Ja. Igualito, igualito que la patronal con los sindicatos.
El empedrado mental que tiene un niño de doce años es tal que lo de mezclar churras con merinas no es nada comparado con el amasijo de “desinformación” que sus amigos del cole le proporcionan. Entre una buena dosis de vergüenza, el temor a meter la pata y hacer evidente su ignorancia, el mancebo oye campanas y pega el campanazo. El hijo de su madre no pregunta, jamás. ¿Para qué? lo mismo le responden. Entonces a lo Elena Ochoa te suelta el gran notición:

- Ama, hemos encontrado un condón en el patio del colegio.
- ¿Ah sí? ¿y estaba usado o no?.
- Pues claro que estaba usado. ¡Estaba vacío!.
- ¿y seguro que no había nada dentro?
- Si anda, ¿qué quieres que haya?

¡Dios mío!, o mi hijo no sabe lo que en el plastiquito se introduce, posteriormente segrega para al final quedarse, o cree que uno tiene un órgano de usar y tirar y cuando lo tiras te vuelve a crecer, o el artilugio tenía un agujero del tamaño de una nuez...
No seguí haciendo preguntas, corrí hacia la estantería donde se encuentran los videos y traté desesperadamente de buscar una grabación de algún “Barrio Sésamo” donde explicaran la diferencia entre “lleno de semen” y “vacío con embarazo seguro”. Claro, de “condones en el patio de un colegio” no encontré nada. Y es que no pensé que el Coco no se comía una rosca sino galletas, y que aunque la Peggy era una cerda y la rana Gustavo más verde que el campo lo único que hacían era cantar juntos. Vamos, que nada que hacer.

DIE BRÜCKE: LA OTRA ORILLA

Ayer terminábamos buscando un “donde”. A este respecto, la comunidad podría por fin materializar el sueño de compartir sus respectivas vidas artísticas. Heckel, que fue el administrador del grupo, encontró en septiembre de 1906 un antiguo almacén de calzado en la Berliner Strasse nº 65 en pleno centro del barrio obrero y cercano al ferrocarril. Arte y vida, taller y vivienda, pintura y poesía se daban cita cotidianamente en el nº 65, tanto es así que, como no podía ser de otra forma, los diversos estilos se fueron homogeneizando hasta hacerse uno. Pero como en todas las comunidades, no quitemos mérito a los verdaderos artífices: a Kirchner se le deben los temas y a Heckel las novedades formales.
De este modo transcurrió sus vidas hasta que en 1911 abandonaron el antiguo almacén y se trasladaron a la capital del imperio: Berlín.
Como en todas las grandes ciudades el anonimato, la diferencia de clases, la vida nocturna y la presencia de otros grupos artísticos y otro estilo, en general, de vida fueron –en un primer momento- el primer obstáculo al que pensaban hacer frente los jóvenes de Dresde. Poco tardaron en darse cuenta de que sólo aquel que pudiera hacer algo nuevo tenía la batalla ganada. Por lo tanto, la vida-arte en común constituyó un impedimento más que su tabla de salvación. Había que librarse del estilo colectivo y hacerse individual.

Ya saben ustedes el final. Como la crónica de una muerte anunciada el espíritu del cual nacieron y alimentaron fue asestado con un golpe mortal. Lejos quedaban ya las estancias en los estanques de Moritzburg, en Dangast, en Nidden o en la isla Fehmarn.
En 1913 destruyeron su propio puente: al cruzar la otra orilla se olvidaron de lo que dejaban atrás.

DIE BRÜCKE: LA PASIÓN

”Con fe en el desarrollo, en una generación creativa y capaz de disfrutar de la vida, convocamos a toda la juventud; y nosotros, como juventud portadora del futuro, queremos procurarnos vida y brazos libres frente a las viejas fuerzas establecidas. Todo aquel que exprese directamente y sin falsías lo que le mueve a crear, pertenece a nuestro grupo”

“Expresionismo”, sin duda, es un término difícil de precisar. Quedémonos con la definición que dio Edvar Munch: expresionismo es lo contrario de impresionismo, de esta forma sabemos “lo que no es” (algo es algo). De igual manera, jamás podremos hablar de un estilo expresionista con unos rasgos característicos precisos pues bastaría con observar a unos y otros artistas para afirmar sus grandes diferencias formales. Por todo ello, hablemos de expresionismo como la manifestación de una determinada percepción de la vida de una joven generación que si en algo coincidía era en negar (desde su campo) la estructura sociopolítica de su tiempo. Este es el espíritu con el que nace El Puente.

La simpleza de una vida en común marcada fuertemente por el motor de la naturaleza les llevaría a formular un mundo utópico fuera del alcance del trabajo industrial y el sistema socioeconómico de Guillermo II. El intento (aunque frustrado) de Van Gogh de fundar una comunidad artística con Gauguin en Arlès constituía el modelo a seguir de los jóvenes expresionistas. Sus maestros: Munch y Ensor quienes traspasaban los límites de la percepción de la realidad para llegar al carácter psicológico de la impresión sensorial. Ahí es donde ellos querían estar.

Los componentes del Puente no intelectualizaron su obra tanto como los del Jinete Azul (del que ya hablaremos otro día), ni confeccionaron manifiestos ni escritos como estos últimos. Su trabajo consistía en plasmar por medio de imágenes sus experiencias sensoriales y las impresiones visuales. El único manifiesto (si puede llamársele así) fueron las pocas frases de Kirchner que encabezan este post. Recuerden, amigos, que al leer esta declaración de intenciones, esta llamada, esta petición de ayuda frente al aislamiento en que se encuentran, son jóvenes artistas de 21 a 25 años los que gritan libertad y exigen un cambio social. El hombre en su ambiente natural, apartado de la corrupción de la industria y, el desnudo al modo de Gauguin, el retorno al paraíso, constituían sus motivos predilectos.
¿De qué manera adaptaron sus ideales teóricos a su obra? Al comienzo del post decíamos que expresionismo constituía la franca oposición al impresionismo. Los trazos pastosos del último impedían la rapidez y la espontaneidad anhelada. De ahí que la mezcla del óleo con gasolina permitiera que el pincel de estos jóvenes recorriera la superficie del lienzo de manera fluida y suave con ayuda de la brocha o de la espátula.
Ya disponían de un “porqué”, también de un “cómo”. Sólo les faltaba un “dónde”.
Yo les diré “cuándo”: mañana, por supuesto.

p.d.¡Ah! Para no perder la costumbre, díganme una cosa:
¿sabe alguien la forma en que fue escrita la cita que encabeza este post?

DIE BRÜCKE (EL PUENTE)

Este año se celebra el centenario de El Puente. No, no se asusten. El tiempo corre rápido pero no tanto. No se trata del ya famoso viaducto de Millau diseñado por Norman Foster e inaugurado el diciembre pasado. Me refiero al grupo o asociación de artistas El Puente, fundado en Dresde el 7 de junio de 1905. ¿Les suena el término ”expresionismo”?
Cuatro estudiantes de arquitectura, a saber, Fritz Bleyl, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Karl Schmitdt-Rottluff emprendieron juntos un camino que revolucionó la historia del arte del siglo XX. ¿Por qué estudiantes de arquitectura? De algún modo tenían que justificar las asignaciones mensuales de sus respectivos padres. Sin embargo, ellos no se sentían arquitectos, sino pintores, artistas jóvenes, iguales entre sí y con un deseo de reconocimiento y amistad que la sociedad burguesa jamás otorgaría a nadie que se alejara del academicismo establecido.
La iniciativa de formar la comunidad artística fue de Kirchner. El nombre fue idea de Schmidt-Rottluff. Toda una metáfora para decirnos que ellos cruzarían a la otra orilla del arte. Y lo consiguieron, vaya si lo consiguieron...
En 1907 Bleyl se separó del grupo. Con su título de arquitecto se mudó a Silesia donde impartiría clases de Ingeniería Civil. Otros artistas, por el contrario, se unieron a la comunidad, quizás por acentuar la internacionalidad de la misma más que por su efectiva participación en la vida de la comunidad. Entre ellos el suizo Cuno Amiet, el finlandés Axel Gallin-Kallela, el holandés Kees van Dongen y el checoslovaco Bohumil Cubista. De igual forma descubrieron la genialidad de Emil Nolde, pintor mucho mayor que ellos que había llegado a sus mismas conclusiones en solitario. Su participación apenas duró un año (1906-1907). Aparte de los fundadores fueron solamente Pechstein ( desde 1906) y Otto Mueller (desde 1910) quienes jugaron un papel importante tanto en el desarrollo como en la configuración del estilo colectivo del Puente.
Con la Chronik KG Brücke (Crónica del Grupo de Artistas del Puente), texto redactado por Kirchner en 1913 en el que se describía el desarrollo del grupo, llegó –paradójicamente- su desintegración. Heckel, Schmidt-Rottluff y Mueller achacaban a Kirchner el haber elaborado una crónica no ajustada a la realidad del grupo sino a la suya propia y sobrevalorar su trabajo por encima del de los demás.
El 27 de mayo de 1913, Die Brücke comunicaba su disolución. Faltaba la firma de Kirchner. Si hoy hiciéramos una lectura de la crónica, afirmaríamos con rotundidad que la sospecha de estos artistas no estaba de ningún modo justificada. Sin embargo, les sirvió como excusa para exteriorizar las contradicciones interiores que hacían que la comunidad hubiera llegado a su fin. Ellos también eran humanos.

Hemos visto nacer al Puente. Hemos presenciado su muerte. Sabemos ya quienes son. Mañana nos enfrentaremos con lo más importante: sus inquietudes, sus deseos, sus miedos...su obra. Su arte.
Hasta mañana.

DÉBAUCHE DE LIBERTÉ

Bien, amigos, una vez que Palimp y Andy han descubierto el poder de la palabra que buscábamos (CANON), aventurémonos en la segunda incógnita. Esta vez se trata del nombre de un artista un tanto especial. ¿Me acompañan?
Suerte.

1- El hijo de Policleto ha sido combatido, vencido y abandonado.
2- El progreso del saber ha desplazado al hombre del centro del mundo.
3- Rafael fue de los primeros.
4- La fantasía es su reino.
5- Sólo existe la S que no se inscribe en círculos ni cuadriláteros geométricos.
6- Sus instrumentos: la sorpresa, lo inesperado y la agudeza.
7- La zanahoria es bella.
8- Está casado con la imaginación más que con la inteligencia.
9- Algunos hablan de un desgarramiento del alma.
10- ...Bousquet habla de una “feria de licencias”.
11- No hace régimen alguno pero le encanta la alcachofa.
12- Aunque la tiene, no es homosexual.
13- Nació en el país de la artificiosità.
14- José está en Egipto asistiendo al matrimonio místico de Santa Catalina.
15- Lleva una dieta de lo más mediterránea.
16- Le encanta el verano.

¿Quién es?

EL PODER DE UNA PALABRA

Sólo es un juego. Como en todos ellos el placer es el motor que nos mueve. No hay premio, tan sólo la satisfacción de llegar al final. Esta vez vamos a buscar una palabra. Tengan en cuenta las predilecciones de aquella quien plantea el divertimento. Sin la palabra que buscamos este blog no existiría.
La incógnita de hoy será la llave que nos conduzca a otro enigma. De antemano les advierto que ni yo misma sé dónde se encuentra el final. Como hoy es el primer día, empezaremos con algo facilito. Muy facilito.
Suerte.

1- Nací en la antigua Grecia y, desde entonces, no he dejado que la belleza se me escape.
2- Tengo un hermano en la música cuyo nombre es la ley.
3- Hay quienes piensan que soy un peligro y una limitación de la libertad.
4- Me buscaron los artistas, mas la búsqueda fue provocada por los filósofos.
5- Plinio el Viejo habló de mí cuando prácticamente acaba de nacer a la historia.
6- Una estatua y un libro llevan mi nombre.
7- Mi padre me llamó Doríforo por mi virilidad y Diadumeno por mi figura afeminada.
8- Los arquitectos fueron los primeros que me inventaron pero soy independiente al tiempo y al individuo.
9- Filolao dijo: “Todas las cosas que se conocen tienen un número: sin el número no sería posible conocer o pensar nada”. Yo le debo mi existencia.
10- Soy el todo y las partes al mismo tiempo.
11- Sirvo a los ojos y al oído.
12- Los escultores me buscan en la naturaleza y no en el arte. En el rostro esculpido encontraréis mi verdadera cara.
13- Vitruvio me encerró en un cuadrado y en un círculo.
14- Leonardo da Vinci me dio fama internacional.
15- Luca Pacioli me puso letras.
16- Cesariano, Durero, Edward Muybridge y Matilda Ghyska me han retratado.
17- Soy tan humilde que puedo encerrarme en una vasija.
18- El kósmos es mi hogar.

¿Saben qué soy?

CUESTIONES RENACENTISTAS

”Tres son las cosas principales en las que consiste el conjunto de lo que andamos buscando. A saber, el número, lo que llamo acabamiento (conformación, forma geométrica), y la colocación (numerus, finitio, collocatio). Mas sobre esto hay además una cosa que nace de todas juntas, unidas entre sí, gracias a lo cual el rostro entero de la belleza resplandece milagrosamente, lo cual entre nosotros se ha de llamar armonía (concinnitas)”.

Como había prometido (antes de este ataque pictórico exhibicionista en el que me he visto involucrada) y tal como reza el título del post, vamos a hablar de alguna cuestión concerniente a un período que siempre me ha resultado interesante.
Hagamos un poco de memoria. El Renacimiento supone el inicio de la Edad Moderna, el principio de una nueva época histórica caracterizada por un acusado cambio en los gustos y convicciones que han predominado casi un milenio. El cambio es más bien un giro. Un giro que se expresa en la secularización de la vida y la cultura, en el abandono de lo trascendente y n un renovado interés por las cuestiones temporales.
Los nuevos gustos tienen, naturalmente, su reflejo en la estética, en una teroría de la belleza alejada de la tradición medieval y cercana al mundo antiguo.
Platón es el filósofo en que más se inspiran los estetas renacentistas aunque sin asumir las tesis fundamentales de su doctrina y Aristóteles llegará más tarde. De los poetas, Horacio sirve de punto de partida con su Ars poetica; de los retóricos Cicerón, pero sin lugar a dudas, la obra más leída y estudiada es Los diez libros de arquitectura de Vitruvio, el único tratado antiguo sobre las artes plásticas que manejan estudiosos y artistas renacentistas.
Durante toda la Edad Media, los libros de Vitruvio habían pasado al olvido ya que a los arquitectos góticos no les interesaban en absoluto los cánones antiguos. Los libros, pues, habían dormido un largo sueño de siglos hasta que fueron descubiertos (redescubiertos, más bien) allá por 1414 en la biblioteca de Monte Casino. A partir de ese momento fueron considerados como una gran revelación. No dejaron de editarse y traducirse al italiano fundándose, incluso, en 1542 la Academia Vitruviana de Roma.
Cuanto más nos adentramos en el Renacimiento más clara vemos su influencia y, en especial, sobre la teoría del arte. Alberti basa su De re aedificatoria (considerado como el principal tratado renacentista de arquitectura) en Los diez libros vitruvianos, de igual manera que en ellos van a inspirarse muchos de los tratados escritos en los siglos XV y XVI.
Veamos a continuación la relación de tesis más importantes que la estética del Renacimiento adopta gracias a la obra de Vitruvio:

1- En arquitectura, la utilidad es tan importante como la belleza (venustas).
2- Bello es todo aquello conforme a la razón, pero también aquello que agrada a la vista, el aspectus de las cosas.
3- La belleza consiste en la “conveniencia” de las partes. Es decir, según la terminología de Vitruvio, la simetría y el consensus membrorum, la convenientia, la compositio, la proportio y el modus (como medida).
4- La belleza pertenece a la naturaleza y de ningún modo el modelo puede ser superado por el arte.
5- El modelo ideal lo constituye el cuerpo humano por lo que en arquitectura, la “simetría” y las buenas proporciones deben basarse estrictamente en las proporciones de un hombre bien constituido.
6- Existen diferentes grados de belleza, entre ellos se encuentra también la belleza “rebuscada”, es decir, la elegancia.
7- Existen igualmente diferentes variantes de la belleza: el dórico es masculino, el jónico femenino, y doncellil el corintio.
8- “Simetría” y “decor”, a saber, la belleza tiene un factor social que es la adecuación de la obra a las necesidades y costumbres de la gente. De esto se deduce que junto a la belleza formal existe la belleza funcional.
9- Sobre la belleza decide también un factor psicológico pues la belleza no estriba sólo en la “simetría” que es objetiva, sino también en una disposición de las partes que provoca en quien la contempla una sensación subjetivamente agradable. Vitruvio la llama euritmia y en su nombre aconseja efectuar tantas correcciones de proporciones objetivamente perfectas temperaturae como sea necesario.
10- La estética de Vitruvio, aunque fundada en principio para la arquitectura, traza paralelos con el resto de las artes y en particular con la música.

Bien, después de establecer este decálogo espero que tengan estas notas presentes cuando decidan contemplar una obra de arte renacentista. El tema es extenso y sus ramificaciones pueden encontrarse más allá de los límites de este período histórico. Con estas “escasas” cuestiones cumplo con el objetivo que me había propuesto al idear este post. Algunas pinceladas (muy por encima como han visto) que nos acercaran un poco a la figura de este arquitecto y rétor antiguo.
Hasta otra.

BENEVOLENCIA

Esto es lo que os pido, amigos, cuando contempléis mis acercamientos a lo que podría llamarse “dibujo al lápiz”. Son bocetos simplemente de un reto que mantengo conmigo misma cada vez que dibujo: no utilizar la goma de borrar.
En fin, a lo dicho, tened benevolencia con esta vuestra amiga que se ha visto en mitad de una emboscada. De amistad, pero emboscada.
Un abrazo a todos.


Torso


Ojo1


Ojo2


Ojo3


Ojo 4

CON UN SOLO DEDO

Debo una disculpa.
Aunque el título del post les induzca a pensar en cierta cuestión de carácter sexual, no se engañen. La que suscribe lo ha elegido a propósito, naturalmente, y ciertamente mi disculpa (y contenido de este post) guarda una estrecha relación con el título (para consuelo de Tio Petros que siempre me regaña por los títulos “enrevesados” y “rebuscados” con los que corono mis post).

Uno de los motivos por los que durante unos días no he posteado es porque un amigo me ha regalado un tratado sobre el dibujo del cuerpo humano. El libro es un alarde extraordinario de imágenes sorprendentes sobre la maestría con la que pintores que ustedes y yo conocemos y, otros desconocidos e incluso anónimos, han plasmado en papel, con un lápiz o un carboncillo y cómo no, con la yema de un solo dedo a modo de difuminador, las diferentes partes del cuerpo humano. Así que una servidora, que hace sus pinitos en dibujo con más pena que gloria no ha podido evitar la tentación y durante días ha tratado de emular a los grandes para crear ojos, manos y torsos desnudos que con imaginación y mucho amor me confiesa Tio Petros resultan sorprendentes. Claro está que este hombre, aliento de mi vida, sabe hacerse querer y, una que de tonta no tiene un pelo y de mujer mucho, se lo ha creído a pies juntillas y no ha parado de producir. Porque esto del arte va por rachas y hay que sujetar a las musas cuando uno se cree que han venido a visitarle. Así que mi primera disculpa se debe a ese dedo difuminador que ha conseguido apartarme del teclado del ordenador.
Cuando el abandono del blog me ha resultado ya insoportable, la fortuna ha querido que, en lo absurdo de un accidente doméstico, me queme la mano derecha. Mejor dicho, los dedos de la mano derecha que resultan francamente útiles cuando una es diestra y totalmente incapaz con la mano izquierda. No tengo yemas, huevos sí. Por eso, CON UN SOLO DEDO (el corazón, claro está) de mi supuesta “mano” izquierda he conseguido escribir estas líneas y pedirles disculpas aunque esta aventura me esté costando toda la mañana.
Ni dibujar, ni escribir, ni conducir, ni … xual.

Les prometo volver pronto con un post sobre el Renacimiento. Exactamente sobre el legado de Vitruvio (sí, ya saben, el relacionado con ese hombre que siempre aparece patiabierto y ensobacado dentro de un círculo…).
Hasta pronto.

AFRACASAR

(DHist.). No existe tal palabra. Afrácaseme en Lucas Fernández debe acentuarse en la segunda a, y es del verbo afracar, variante dialectal de aflacar “enflaquecer”, derivado de flaco.

No sé ustedes, pero yo es la primera vez que me encuentro en un diccionario un vocablo que no existe. Alguno hablaría de los hechizos de la lengua…
El que sí existe es este otro (hoy dos por el precio de uno) que por la magia y la belleza del vocablo en sí y de su significado, les presento a continuación para su deleite:

ALMICANTARAT

”cada uno de los círculos paralelos al horizonte que sirven para determinar la altura de los astros”, de muqantarât, plural de muqántara íd. Y “reloj de sol”, derivado de qántara “puente, arco”. 1ª doc.:1709.
Freytag, III, 505b. El cambio de u en i se deberá a un error de lectura en los manuscritos latinos medievales de astronomía.

UN ERROR DE CUATRO SIGLOS

En el nº 71 de la revista Descubrir el arte, Víctor Nieto Alcalde dedica un magnífico artículo a la obra de Paolo Veronés titulada Venus y Adonis.



Paolo Cagliari (1528-1588) llamado Veronés, llega a Venecia en 1551 y pronto se vuelca casi por completo a realizar obras de temática mitológica en las que abundan las representaciones de Venus y Marte y de Venus y Adonis. Hacia 1580 pinta un lienzo (adquirido por Velázquez en su segundo viaje a Italia) cuya representación se ha identificado con Venus y Adonis.
La fecha exacta de su ejecución sólo nos consta por la referencia que Raffaello Borghini hace de él junto con otra pintura de Veronés La muerte de Procris. La cita de Borghini ha servido desde entonces para emparentar uno y otro lienzo e identificar, como “testimonio y fuente de autoridad indiscutible”, que las figuras mitológicas allí representadas eran ésas y no otras.
Sin embargo, así como la identificación de los personajes es del todo correcta en “La muerte de Procris”, no ocurre lo mismo en “Venus y Adonis”.
Lo que propone el autor (teoría que comparto) es que la temática de un Adonis dormido en el regazo de la diosa es compleja y rebuscada y no concuerda con las representaciones habituales de estos personajes de la mitología. Si hilamos fino y atamos algún cabo que otro, lo más probable es que apoyemos la tesis de que en realidad se trate de La Brisa y Céfalo.
Por una parte tenemos que Veronés pintó ambos lienzos en la misma fecha (así lo ratifica en Il Riposo Borghini; que ambos lienzos tienen las mismas dimensiones (1,62 x 1,90 m) (al menos desde 1988, año en el que se extrajo un añadido del siglo XVIII al lienzo de “Venus y Adonis” de nada más y nada menos que 0,50 m) y, por otra, que ambos cuadros podrían haber sido inspirados (con total seguridad) en la historia de Céfalo y Procris que narra Ovidio en el Libro VII, capítulo IX de Las Metamorfosis:
Procris estaba casada con Céfalo. Por circunstancias que no mencionaré para no alargarme más, Procris regaló a su esposo una jabalina que “alcanzaba todo blanco al que se dirigiera” y un perro llamado Lélapo que “en la carrera vencería a todos”.
Ovidio nos cuenta cómo Céfalo acostumbraba a salir cada amanecer a cazar. “Pero cuando mi brazo ya se había saciado con la matanza de bestias salvajes, buscaba la frescura, las sombras y la brisa que llegaba de los frescos valles. Buscaba la brisa, lenitivo para mí en medio de los ardores, esperaba la brisa;(…) Yo solía cantar (pues lo recuerdo): Ven, ¡oh brisa!, favoréceme, entra en mi pecho, queridísima, aleja como tú sabes hacerlo el ardor que me abrasa”.



La fatalidad quiso que Procris, alertada por un “temerario delator” “quien prestó engañado oído” desconfiara de la fidelidad de su amado esposo hasta el punto de ir a buscarlo al bosque. Céfalo arroja entonces su jabalina hacia lo que cree que es una bestia salvaje. Cuando se acerca a ella comprueba que su queridísima Procris está herida de muerte. La esposa, tumbada en el suelo intenta extraer de su pecho el arma que ella misma regaló a su esposo y con estas palabras habla:
“En nombre de los lazos conyugales que nos unen, en nombre de los dioses del cielo y de los de aquí abajo a los que yo pertenezco, suplicante te pido por aquello que pueda haber merecido de tu ternura, por el amor que todavía hay en mí, al morir, por ti que me has causado la muerte, que no consientas en que esta Brisa llegue a ser tu esposa en nuestro tálamo”.

Fue entonces cuando Céfalo le hizo saber el error, el nombre confundido.
Así termina la historia de Procris y Céfalo. Así termina la mía:
por un nombre confundido, por un error de cuatro siglos.

Un abrazo.

PD. Gracias, Palimp.

LA BELLEZA DE LOS MONSTRUOS (4)

”A menudo nos repetía Otto-Venius: que vuestras composiciones sean conformes a las costumbres y los tiempos… imitad en esto a la Tragedia, hermana de la Pintura; (…) el fin de la Pintura consiste tanto en iluminar el espíritu como en engañar a los ojos; la ilusión que en los ojos nos produce en la manera en la que ven se funda; y ellos mismos han sido los que aprendieron el modo de engañarse”
P. RUBENS, Leçons, 1858

Observen la imagen que Rita deja tras de sí. Me refiero al hombre de trasero oviforme con el que finalizábamos el post anterior. Apenas podemos verle el rostro. Soporta sobre sus espaldas una nave sobre la que se asienta un globo. Bien, amigos, este era el doble guiño que Bruegel dedica al Bosco. por una parte, la figura del hombre representa al San Cristóbal del Bosco donde el santo portaba sobre sus hombros una esfera de vidrio (símbolo del mundo) dentro de la cual está sentado el Niño Jesús. Sin embargo, Bruegel rompe el símbolo y nos presenta no a un santo, sino a un patético codicioso soportando sobre sus lomos el peso de un globo con seres mitad humanos dominados por la gula (uno sostiene una bandeja con un pollo asado) y la codicia.
Albergando el globo y sus habitantes, una barca. ¿Se acuerdan de la famosa “nave de los locos” del Bosco?. Pues aquí tenemos el segundo de los guiños que Bruegel nos regala de su admirado Hieronymus. Pero la barca, al igual que veíamos ayer en el caso de las tinajas, tiene un doble significado.
Si en principio, en su vertiente positiva pudiéramos pensar que la nave representa a la Iglesia como aliada infatigable de los propósitos celestiales luchando contra las arremetidas del tiempo, en verdad (quiero decir, en la “verdad” de Bruegel) no simboliza otra cosa que la nave de los locos. Locos, personas que no saben su destino y que en cualquier momento naufragarán. Fíjense si no en la poca estabilidad que se nos sugiere, primero el globo con respecto a la barca, y segundo, la barca respecto a la espalda del hombre.

Existe otro símbolo que se repite en el lienzo: la esfera de vidrio. En la parte superior izquierda del cuadro aparece una pendiendo, como un farolillo, del gorro de la cabeza infernal. La bola encierra varias figuras humanas. El Bosco también pintó este motivo en varias ocasiones. Pudiera ser que quisieran representar el poder del imperio pero la tesis que más me place es la que afirma que el globo procede del Lejano Oriente puesto que allí hay signos pictóricos aparecidos con anterioridad (siglos XI y XII) a la época del Bosco y de Bruegel.
No es de extrañar esta “importación” ya que hacía siglos que se mantenía un intercambio comercial constante con Oriente a través del Mediterráneo. Pero la influencia de motivos orientales no acaba aquí. Observen más abajo. El gorro con borla, muy similar al gorro frigio y el aro prendido de la aleta de la nariz de la cabeza del infierno.
¿Casualidad?
En absoluto. Todos los pueblos de las regiones situadas fuera de los confines del Occidente cristiano estaban a merced del diablo.

¿Se han dado cuenta de que en este lienzo tan caótico –aparentemente-, nada está supeditado al azar?
Magnífico.

LA BELLEZA DE LOS MONSTRUOS (3)

Observen la imagen que ocupa la parte izquierda del lienzo. Como si de un gran espectador se tratara, el príncipe de los infiernos lo abarca todo con su mirada impasible.
Unas tablas de madera le sirven de párpados, su piel está hecha de piedras y de su oreja incandescente brota un árbol. Lo orgánico y lo inorgánico se mezclan entre sí de igual manera que las formas animales y vegetales. El orden del mundo ha desaparecido y la cabeza-fortaleza espera, con la boca abierta, a que entremos en él como en una trampa del más sofisticado ser vivo –y lugar al mismo tiempo- que espera, complaciente, a engullirnos sin piedad.

Una serie de tinajas componen sus cejas. Las mismas tinajas que cuelgan de los muros de muchos hogares de la época. Servían de incubadoras donde las aves depositaban sus huevos. El lienzo está lleno de tinajas. Fíjense en la que hay de tamaño espectacular en el fondo a la izquierda semejante a la torre de refrigeración de una gran central nuclear o, la que sirve de estandarte al puñado de soldados que se agolpan sobre una olla a la derecha del cuadro.
En una época en la que no existían ni envases de plástico ni botellas de vidrio, las tinajas se constituían en objetos de uso corriente para guardar alimentos. Sin embargo, sus significados en el lenguaje alegórico del momento eran bien distintos.
Por un lado, como manifestación del poder de Dios tal y como se relata en el capítulo 2 del Evangelio de San Juan, donde Jesucristo transforma el agua de seis tinajas en vino para la boda de Caná. Por otro, como recipiente donde se conserva y se atesora. Las tinajas simbolizaban la codicia y eran signo de prosperidad. En los grabados antiguos la personificación de la avaricia solía estar representada con sacos, cestos y tinajas a su alrededor.
Con las tinajas tenemos, pues, una doble advertencia de Bruegel: la omnipotencia de Dios y lo demoníaco del materialismo.
Rita va cargada de enseres domésticos, dinero y joyas. Dios la ha abandonado por culpa de la avaricia. A ella y a todos los seres monstruosos que componen el lienzo. Fíjense en los huevos que aparecen en el cuadro. Al igual que las tinajas, tampoco están pintados al azar. El huevo simbolizaba la resurrección de Jesucristo en la mañana del día de Pascua y era signo de fertilidad y vitalidad. Pero el viejo Bruegel los ha pintado todos con la cáscara rota. Incluso el de gran tamaño del fondo desde donde emerge un diablo, o el de la parte inferior izquierda donde, contra natura, unos polluelos esperan su ración de comida o, aquel otro del centro del lienzo donde con avidez un individuo extrae de su culo oviforme dinero, dinero y más dinero.
El infierno, los seres monstruosos y la avaricia conforman el mundo que Rita atraviesa con paso decidido. A sus espaldas deja un guiño pictórico con el que Bruegel homenajea a otro pintor que ustedes ya conocen.
¿Sabrían decirme a quién y a qué me refiero?

LA BELLEZA DE LOS MONSTRUOS (2)

PIETER BRUEGEL: LA CAIDA DE LOS ANGELES REBELDES (Detalle)

”El principio, el medio y el final, el nacimiento, el aumento y la perfección de cuanto vemos resulta de contrarios, por los contrarios, en los contrarios y a los contrarios”
Giordano Bruno:Spaccio de la bestia triunfante

Se llama Rita y lleva sobre sus espaldas el apodo de “la loca”. Conocida como Dulle Griet ha tenido el honor de pasar a la historia del arte no como una ninfa, ni bajo la figura de una Venus, ni como una Virgen ni como mártir. Tampoco nos ha llegado con aspecto de pastorcilla ni de donna angelicata. Su belleza radica en la forma misma en que fue pintada, en el hecho de que constituye una excepción.



Durero, Hans Bandung y El Bosco pintaron damas poco agraciadas y deliberadamente repulsivas como nuestra Rita pero por las dimensiones del lugar donde habita (un lienzo de 115 x 161 cm) es única incluso hasta en el norte de la Europa del siglo XVI.
Todo en ella va en contra de las normas de cualquier teoría de la belleza:
El cabello no es capaz de enmarcar su frente, la piel ajada y estropeada, la boca desdentada y permanentemente abierta; la coraza le cuelga sobre una barriga donde reposan sus senos y su actitud es tan altiva que, con un andar cansino, osa pasar de largo sin fijarse, si quiera, en nosotros.
Pero Rita es un ser humano al igual que el resto de mujeres que hay detrás de ella; no así los hombres –en su mayoría- que han sido representados con aspecto de demonios, diablos mitad animales o como soldados cuyas armaduras los hacen irreconocibles.
¿Será que el paisaje caótico que está atravesando Rita con paso decidido no es otro que el propio infierno?

El pintor no nos ofrece ninguna pista para responder afirmativamente, pero mucho me temo que Bruegel quiere transmitirnos algún mensaje. Un mensaje que debe quedar lo suficientemente oculto para no delatarse a primera vista. Un mensaje que debe quedar lo suficientemente a la vista como para no pasarlo por alto.

¿Acaso se ha olvidado Dios de la desgraciada Dulle Griet?
Hasta mañana amigos.

LA BELLEZA DE LOS MONSTRUOS

GIOVANNI DA MODENA: Fresco del Infierno

El título del post nos conduce a un tema tan amplio que, a mi pesar, he de ponerle límites. Por este motivo, voy a intentar ceñirme al concepto de lo feo como antítesis de lo bello y ejemplificarles el asunto a través de un lienzo que quiero presentarles.
Empecemos por encuadrar el concepto. Según diferentes corrientes estéticas, lo feo como hemos dicho, sería una antítesis de lo bello si en un ser u objeto apreciamos la carencia de armonía que viola las reglas de la proporción en las que se basa la belleza, tanto física como moral, o la carencia que niega a ese ser u objeto lo que por naturaleza debería tener. A este respecto Guillermo de Auvernia (1180-1249) nos dice en su Tractatus de bono et malo

”Llamaríamos deforme al que tuviera tres ojos o un ojo solo: al primero por tener lo que desdice, al segundo por no tener lo que conviene”

Piensen por un momento en nuestra patria belleza grífica (termino acuñado por mí y que significa “en forma de grifo de lavabo”) Rossy de Palma o en nuestra velazquiana infanta Doña Elena de Bombón.
En cualquier caso, como afirma U. Eco, estarán de acuerdo en que “si bien existen cosas o seres feos, el arte tiene el poder de representarlos de manera hermosa, y la belleza (o, al menos, la fidelidad realista) de esta imitación hace aceptable lo feo” (ECO, U.: Historia de la belleza, Lumen, Barcelona, 2004, p.133).
Tenemos pues que si bien en la naturaleza encontramos seres feos, su representación por medio del arte nos puede resultar agradable. Hagan memoria y repasen algunas de las muestras de la iconografía cristiana (incluso tenemos ejemplos de bellas representaciones del diablo); piensen también en aquellos textos de la Edad Media donde aparecen hombres y animales monstruosos con los que se ilustrarán los bestiarios. Eco confecciona una relación asombrosamente bella de seres monstruosos: faunos, acéfalos, andróginos, artabantes de Etiopía, astomates, astomores, bicéfalos, blemmes, centauros, quimeras, cíclopes, cinocéfalos, poncios, esciápodos…
Y bien, llegados a este punto podríamos preguntarnos cuál es la justificación que explicaría el porqué de estas representaciones. Por un lado nos encontramos con la tradición del simbolismo universal en la que nuestros monstruos adquieren, por otro lado, un significado moralizante o alegórico que daría respuesta a ciertas virtudes o vicios y realidades sobrenaturales pertenecientes al reino de Dios. Esto quiere decir que al igual que las sombras hacen que la luz resplandezca mejor, los seres monstruosos (tanto hombres como animales) y feos son necesarios a la belleza en igual proporción. Es el orden del universo el que importa y en este orden tienen cabida los monstruos y la seducción que nos provocan cuando los contemplamos bellamente reproducidos en cualquier tipo de expresión artística desde Dante hasta el Bosco.

Una vez hecha esta pequeña introducción hablaremos de una obra peculiar, ejecutada hacia 1562 por Pieter Bruegel el Viejo donde se hace un homenaje bellísimo a la fealdad absoluta. Su nombre… bueno, más detalles mañana, cuando presente a la dama formalmente. En cualquier caso y como diría el poeta ”no lo toques ya más, que así es la rosa” (se premiará a quien me diga a qué hace referencia ese “lo” de la frase anterior. Venga, anímense, es fácil)…y hasta mañana amigos.